Michel CREN Pietsch: a letra como matéria

Na obra de Cren, a letra surge como matéria-prima de arquiteturas visuais complexas, nas quais o grafite dialoga com a abstração, a caligrafia e a Pop Art.

Cren faz parte daquela geração de artistas para quem a letra continua sendo o coração ativo da obra, uma estrutura rica o suficiente para ser constantemente transformada e reinventada. Ao explorar suas formas, articulações e ritmos, o artista desenvolve uma linguagem singular que faz com que vários estilos dialoguem em equilíbrio: a abstração, a caligrafia, a Pop Art… Por trás do rigor das composições, porém, permanece uma parcela de instinto, perceptível no gesto, na escolha das cores e nos múltiplos detalhes que se revelam aos poucos ao olhar. Cren desenvolve, assim, uma obra profundamente enraizada na cultura do grafite, da qual ela preserva a energia, a dinâmica e a exigência estilística, ao mesmo tempo em que se liberta de qualquer definição restritiva do letramento.

A letra continua sendo o ponto de partida do teu trabalho há mais de trinta anos. O que é que ainda hoje alimenta essa busca e abre novas perspectivas para ela?
Sou um writer de grafite – style-writer – da segunda geração do grafite alemão. Como o próprio termo indica, trata-se de escrever, ou seja, traçar letras. O que começa com uma tag e depois evolui para um estilo próprio me leva constantemente a refletir sobre a dinâmica e a estrutura das letras. Uma letra sempre se insere em relação às letras que a cercam. Estou em busca da perfeição, de um esboço perfeito, da letra perfeita, sem nunca conseguir alcançá-la.

Seu trabalho se baseia na desconstrução da letra. Onde você vê hoje o limite além do qual ela deixaria de ser uma letra?
Falar em desconstrução talvez seja um pouco exagerado, porque, se a gente olhar com mais atenção, as letras continuam sendo, na verdade, muito fáceis de distinguir. Uma desconstrução, ao contrário, as transformaria a ponto de torná-las irreconhecíveis e as reduziria a nada.

Mais do que uma desconstrução, você transforma, fragmenta e reconstrói as letras. O que isso te permite explorar que a escrita por si só não permite?
Um grafite clássico geralmente é feito da esquerda para a direita, o que tem a ver com o formato e a maneira como estamos acostumados a escrever. Com outros suportes de imagem e seus formatos específicos, tornou-se necessário modificar também as letras e seu arranjo, ou seja, a composição, para adaptá-las ao suporte. Isso permite explorar não apenas a letra ou a palavra isoladamente, mas a estrutura como um todo.

Sua pintura se baseia em um grande domínio da composição. Como você constrói essa arquitetura que organiza o percurso do olhar, os equilíbrios e as tensões?
O ponto de partida de uma ideia ou de uma composição geralmente é o esboço, a partir de um ou vários rascunhos. Posso usá-lo na íntegra ou pegar só um trecho, ou até várias vezes em diferentes suportes, se quiser, porque a escolha dos trechos sempre faz com que uma imagem diferente se destaque. No grafite clássico, a gente não reutilizaria um esboço várias vezes. Depois, tudo depende da série de obras: ela deve tender para o abstrato? Para a caligrafia? Para a Pop Art? Também curto muito a vertente da Pop Art porque, quando era adolescente, já adorava ler e desenhar quadrinhos. Lá a gente vê linhas nítidas com contornos e áreas de cor claras e bem definidas. Por fim, escolho os elementos visuais e os personagens que combinam com a composição tipográfica e, depois, faço o arranjo deles.

Sua arte mantém uma tensão constante entre fragmentação e unidade. O que te interessa nessa maneira de fazer com que vários níveis de interpretação coexistam dentro de uma mesma composição?
Acho fascinante não só mostrar o todo em si, mas também trechos, fragmentos. É como dar um zoom numa foto: isso revela detalhes aos quais talvez a gente nem prestasse atenção de outra forma. No fim das contas, é meio parecido com uma colagem.

O grafite costuma ser associado à espontaneidade do gesto. Seu trabalho, porém, passa a sensação de uma construção extremamente controlada. Como essas duas dimensões se relacionam na sua prática?
A espontaneidade do gesto se expressa principalmente no esboço, por meio de cada traço. A composição final, retrabalhada várias vezes, acaba necessariamente conservando menos desse traço. Em diferentes séries de obras, principalmente “Gold Digger” e “Unnecessary Roughness”, que incluem tags, esses tags são, obviamente, a parte espontânea. Mas a concepção do fundo, usando uma lata de tinta, um rolo e pincéis grandes, também pode ser bem espontânea. A parte espontânea muitas vezes só é perceptível de forma subliminar e só aparece quando você olha de novo. No caso das obras de Pop Art, a disposição das áreas de cor só é decidida na hora de pintar. Enquanto outros planejam isso com antecedência no computador, eu prefiro decidir de acordo com meu humor do dia. Isso tem que continuar sendo pintura e não um mero trabalho mecânico.

Conforme seu trabalho vai evoluindo, a cor parece ter um papel cada vez mais importante nas suas composições…
Eu adoro cores vivas. Como ex-grafiteiro apaixonado por quadrinhos e videogames, gosto que tudo seja colorido. A escolha das cores segue mais a emoção e é, como já mencionei, algo espontâneo, que surge de acordo com meus sentimentos. A paleta de cores reflete meus gostos pessoais e minha percepção de como as cores interagem entre si. Ela não segue nenhuma teoria específica…

Tuas obras parecem sempre oscilar entre o que se vê de imediato e o que só se revela depois de um tempo de observação. Como e por que você constrói esse equilíbrio?
É sempre legal quando há vários níveis para descobrir, detalhes que só saltam aos olhos na segunda ou terceira olhada. O equilíbrio nas pinturas vem da minha harmonia interior: ele surge por si só em um determinado momento. Mas nem sempre dá certo. Nesses casos, são obras que não saem do ateliê…

Tuas obras exigem um envolvimento de verdade do espectador. Que importância você dá à liberdade de interpretação dele?
Acho que é um bom sinal quando a obra exige um certo envolvimento. Mas a liberdade de interpretação está sempre presente e é importante. Sempre fico feliz em ouvir o que as pessoas veem nos quadros e em conversar com elas, principalmente quando se trata das obras mais abstratas.

Seus murais monumentais se inserem num ambiente urbano, enquanto suas telas criam uma relação muito mais íntima com quem vê. Além da diferença de escala, o que muda entre esses dois espaços de criação?
Eu não sou um artista muralista. Entre 2003 e 2009, participei, junto com vários artistas, dos grandes encontros anuais de grafiteiros que eu organizava em Hanôver. Lá, a gente fazia pinturas murais incríveis, de 6 x 45 metros e até mais. No entanto, elas eram efêmeras, já que repintávamos essas paredes sem parar. A era dos afrescos chegou depois desse período e, pra mim, um pouco tarde demais, pra ser sincero, porque, com a idade, comecei a ter vertigem. Por isso, preciso trabalhar na parte de baixo ou no meio, se alguém cuidar da parte de cima. É por isso que prefiro pintar paredes menores ou no formato horizontal. No final do ano passado, pintei mais uma fachada em Hameln, junto com o Akte One, o Shaz e o Club3070. Fizemos uma espécie de exposição no estilo de São Petersburgo na parede do “Kunsthaus Fargel”. Lá, imortalizei duas das minhas séries, mas, mais uma vez, a uma altura que eu mal conseguia aguentar. O único outro projeto monumental foi a parede do projeto “In the Mix” com o Akte, que tinha 450 metros de comprimento, mas não era muito alta. Trabalhar ao ar livre, em paredes, faz parte da minha prática desde o início e também é a parte mais física da minha arte. É simplesmente muito mais cansativo do que pintar em tela. E geralmente tem gente assistindo.

Com o passar dos anos, sua maneira de pintar inevitavelmente evoluiu. Quais aspectos da sua prática você mais questionou ao longo do tempo?
No geral, fiquei muito mais aberto em relação a formatos, suportes e materiais. No passado, eu tinha uma abordagem um pouco mais estática da pintura. Ou seja, eu sempre me preocupava bastante em manter uma certa uniformidade… Hoje, alguns elementos às vezes podem sair do padrão.

Depois de mais de três décadas de prática, quais são as questões que ainda hoje alimentam seu trabalho e abrem novos caminhos de exploração?
Na verdade, sempre tenho mais ideias na cabeça do que consigo colocar em prática. Algumas se perdem pelo caminho, outras levam a novos projetos. A vontade de pintar o esboço perfeito, que vem do grafite, me motiva o tempo todo. Ou seja, sempre tem algo pra fazer. Explorar novos materiais e novas técnicas também é sempre empolgante. Vou fazer arte até que isso não seja mais possível, seja fisicamente ou mentalmente.

Quais são seus planos?
Ainda temos várias exposições programadas. Em meados de outubro, junto com o Akte One, vou comemorar nossos 10 anos de parceria na exposição “CREAKT-the decade”, que vai abordar o tema 3D ChromaDepth na NIOAA Gallery, em Berlim. Na verdade, foi em 2016 que pintamos juntos nossa primeira obra nesse estilo. Essa exposição pretende ser uma retrospectiva dessa década, incluindo novas obras. No final de outubro, vou participar do “Meet the Artist” na galeria Artes, em Berlim. Em novembro, estarei presente na Affordable Art Fair, em Hamburgo. Nos próximos meses, quero principalmente trabalhar mais no meu ateliê, pois viajei bastante no ano passado e o que pintei lá foram, principalmente, trabalhos encomendados. Espero, no entanto, participar mais de sessões de jam… que acabei meio que deixando de lado nos últimos anos.

A não perder
: “CREAKT-the decade”
De 15 a 23 de outubro de 2026
NIOAA Gallery
Rosa-Luxemburg-Str. 37
10178 Berlim Alemanha
Instagram: @nioaa.berlintokyo

“Meet the Artist”
De 29 a 31 de outubro de 2026
Artes Berlin
Auguststraße 19
10117 Berlim Alemanha
Instagram: @kunsthaus.artes

Michel CREN Pietsch: cren.eu
Instagram: @cren_art

© Jan K Tyrel