Agrume, um toque de acidez refrescante

O artista de rua de Lyon nos leva para o seu mundo, ao mesmo tempo onírico
e ancorado na realidade, que reflete sobre o nosso lugar no universo, nossa relação com o tempo e a natureza, com a mentira e o mistério.

Agrume: agrume-art.com
Instagram: @agrume_

Desde sua residência artística em Rillieux-la-Pape, em 2016, no âmbito do projeto Horizons Croisés, Alban Rotival, que vai completar trinta anos no ano que vem, vem trilhando seu caminho. Esse artista, que se orgulha de sua multidisciplinaridade, tem feito uma série de exposições individuais em galerias e intervenções no espaço público, impondo com delicadeza a atmosfera bem particular de suas obras. Criações em que o personagem – muitas vezes ele próprio – não se destaca, mas se funde com o ambiente urbano e se esconde atrás de flores, pássaros ou borboletas.

Por que você passou da ilustração para o trabalho nas ruas?
A ilustração foi a primeira forma de expressão plástica que me veio à mente, sem dúvida a mais acessível: bastava uma caneta esferográfica e uma folha de papel. Mais tarde, ao conhecer cidades como Lyon ou Paris, descobri a pintura, a colagem e os mosaicos que pontuam certos bairros. A arte instalada no espaço público me pareceu uma forma óbvia de ampliar minha prática artística. Isso permitia outros formatos, outras técnicas. Era a maneira de sair de um trabalho tímido, solitário, e propor ao transeunte uma imagem pintada em toda a sua diversidade. Tornar meu trabalho público, de certa forma, falar visualmente e destacar a importância de tal ou tal coisa.

No exterior, você ainda gosta de fazer colagens?
Não exclusivamente. Eu trabalho com pintura e o suporte se define por si mesmo, de acordo com a essência do projeto. Mas o papel é um suporte que evolui e absorve os traços do tempo e do ambiente ao seu redor até desaparecer e não deixar nenhum vestígio. É uma forma de expressão efêmera. É por isso que gosto de comparar a colagem a uma intervenção no espaço público. A colagem cria um momento, uma cena. Ela transmite uma emoção, destaca algo essencial que quero expressar no instante em que a imagino e a pinto. Ela permite um trabalho de pintura em estúdio tão bem-sucedido quanto desejado. Seu transporte é fácil e sua instalação é rápida, independentemente do contexto. Por isso, na maioria das vezes, uso a colagem para intervenções totalmente informais, gratuitas e com uma abordagem pessoal. Por outro lado, o mural é feito em um ambiente oficial ou em festivais.

Você acabou de participar do festival Urban Week na Défense. É diferente trabalhar ao ar livre num ambiente oficial?
Sim. Fiz um mural e um percurso de colagens ao redor da praça da Défense. No caso das colagens, é obviamente diferente. O ambiente oficial é mais confortável e seguro, o que, em alguns aspectos, é agradável. Por outro lado, acho que um ambiente oficial reduz as possibilidades e impõe limites sobre o que pode ou não ser expressado e representado. Os trabalhos preparatórios e as diferentes visões sobre o trabalho futuro servem para validar o projeto.

A tua abordagem artística é multidisciplinar (desenho, pintura, colagem, escrita). Como concilias essas diferentes abordagens?
Acho que o lugar onde consigo fazer todas essas formas de trabalhar coexistirem é na minha pesquisa. Desenho, faço esboços, escrevo frases, anoto coisas que me chamam a atenção. Pesquiso e preencho cadernos. Tento esgotar minhas ideias colocando-as no papel e, depois, seleciono-as para me concentrar no que acho interessante trabalhar e importante mostrar.

Como sua prática evoluiu ao longo do tempo?
Ao mesmo tempo que meu aprendizado técnico e “filosófico”. Comecei desenhando com um estilo caricatural e depois quis ampliar meu vocabulário artístico representando personagens humanos cujos rostos eu escondia com máscaras, por questões simbólicas e técnicas. Aos poucos, a máscara caiu e hoje me sinto tecnicamente à vontade para representar mais coisas. Os temas foram se refinando junto com meus conhecimentos e minha sensibilidade. Hoje, o aprendizado sobre a vida dos ecossistemas e de quem os compõe me abre mais um caminho.

Hoje, o teu trabalho no estúdio está focado na pintura a óleo. Tu “ousaste” mudar para uma técnica clássica…
Estou aprendendo e trabalhando minhas telas a óleo há um ano, sem abandonar o acrílico, que mantém suas características próprias. Essa técnica revela uma riqueza de possibilidades que me agrada muito. A transparência da tinta e o trabalho com a luz que a atravessa criam ambientes diferentes.

Por que você costuma aparecer nas suas obras?
Comecei quando aprendi a retratar personagens. Tirar fotos de mim mesmo era uma das maneiras mais simples de dar vida às cenas que eu tinha em mente. Aos poucos, adquiri esse hábito e a presença do autorretrato se consolidou nas minhas composições e representações. Isso se justificou pelo fato de eu tratar de maneira universal sentimentos que são pessoais para mim. Mas, aos poucos, estou tendendo a ampliar meus modelos.

Tuas personagens costumam estar parcialmente escondidas e tu até batiste uma das tuas séries de “Discrição”. Isso é importante pra ti?
Sim. A discrição sempre me acompanhou, seja na minha vida pessoal ou profissional. Por isso, ela está naturalmente presente no meu trabalho. É um conceito que considero rico. Ele vai na contramão desse “barulho humano” que costuma, às vezes, dominar, estragar e submergir tudo ao seu redor. Em muitas cenas, represento um ou vários personagens que buscam a discrição em relação ao ambiente que os rodeia, por meio de diferentes formas de ação ou aparência. O objetivo é viver e marcar presença no mundo sem deixar uma marca indelével, tentar existir no mesmo plano que qualquer outro ser vivo. Isso se relaciona com certas questões atuais.

Você pinta por “projetos”. Por que essa abordagem?
Para me concentrar e organizar meu trabalho. Eu imagino minhas criações de forma bastante espontânea e sem regras nos esboços, e as ideias surgem aleatoriamente. Depois, eu as seleciono e tento trabalhar com temas recorrentes.

Você dedicou uma série a Ícaro. É um tema que te toca?
Esse mito traz muitos aspectos que me tocam profundamente. Gosto da sua estética, da comparação com a condição de um pássaro. A presença das asas, do disfarce, a beleza do impulso, do voo e o tragismo da queda. Gosto particularmente desse mito porque ele é surpreendentemente atual. É, na minha opinião, uma bela metáfora da nossa sociedade atual, da sua vontade de crescimento infinito em um mundo de recursos limitados. Uma queda que se anuncia enquanto, mesmo avisados, nos aproximamos cada vez mais do sol.

A natureza – flores, pássaros, borboletas – está muito presente no teu trabalho. Deve-se ver nisso uma mensagem?
São elementos vivos. Esteticamente, eles me interessam pelo que são e pelo que simbolizam. Todos têm em comum o fato de transmitir força e fragilidade: força por seus movimentos e capacidade de adaptação, suas migrações, sua vitalidade; fragilidade por seu tamanho e peso diante do mundo, sua vulnerabilidade diante das atividades e da ignorância dos humanos. Assim como uma vanidade, todos os três abordam a temporalidade das coisas. A duração da vida de uma borboleta e de uma flor, a passagem de um pássaro me permitem brincar com a ideia do instante.

Costuma-se falar de um universo onírico quando se fala do teu trabalho. No entanto, ele parece bem enraizado na realidade…
Acho que os dois são importantes, dialogam e se complementam. Meu trabalho está totalmente enraizado na realidade, ele a explora, e cada uma das cenas que represento se insere nela. Ele se aproxima do onírico porque o que eu desenvolvo tenta criar uma narrativa e um imaginário novo graças à combinação de elementos narrativos. O onírico, então, está ele próprio inscrito na realidade.

Olhando para o teu trabalho, a gente pensa em Magritte. Ele é uma das tuas inspirações? Não
tenho nenhuma referência específica; cada artista é inspirador pelo que conta ou pela maneira como o faz. Magritte é inspirador na maneira como compõe e dá sentido às suas imagens por meio da combinação de elementos. O que mais me inspira continua sendo o que vejo, o que leio e o que observo. Meu trabalho hoje se inspira mais em um cisne nadando, na floração perfumada de uma madressilva selvagem ou na queda das folhas escarlates de um fustet no outono. O que me interessa, então, é como vou conseguir integrá-los ao meu vocabulário artístico.

Quais são os teus planos?
Uma exposição em Paris em 2023. Também tenho alguns projetos de murais mais formais que gostaria de continuar desenvolvendo paralelamente, principalmente intervir em ambientes naturais da maneira mais respeitosa possível. Desconstruir o que define a Arte Urbana hoje para chegar à sua prática mais ancestral possível, voltar a um modo de expressão simples, desenhar na rocha com carvão vegetal.