Fragola de la Vega: a arte do equilíbrio instável

A obra de Fragola de la Vega revela um imaginário denso e melancólico, onde o real e o onírico coexistem sem fronteiras, num equilíbrio frágil, mas bem controlado.

O universo de Fragola de la Vega se desenvolve num limbo constante, estruturado por um paradoxo bem controlado: uma extrema precisão formal a serviço de um mundo deliberadamente desequilibrado. As figuras híbridas, muitas vezes em suspensão, não se inscrevem nem na realidade nem no puro imaginário; elas evoluem em paisagens instáveis, com escalas distorcidas, onde o real e o onírico se sobrepõem sem fronteiras. Essa coexistência traduz uma maneira de habitar o mundo, marcada pelo deslocamento, pela memória e por uma certa melancolia, mas também por uma atenção especial dada ao caos da vida. A obra não conta uma história, ela cria tensão. Ela não busca orientar a interpretação, mas manter um equilíbrio frágil entre densidade e leveza, precisão e flutuação, deixando ao espectador a responsabilidade – e a liberdade – de sua própria leitura.

Nascida na Sicília, chegaste à França aos 14 anos, e o teu trabalho parece estar impregnado do mar e da viagem. O teu universo visual nasceu dessa geografia íntima?
Sim, completamente. Fui arrancada das minhas raízes de forma muito brusca. Aos 14 anos, da noite para o dia, tive que deixar Palermo e seu ambiente marítimo. Desde então, todas as minhas obras estão impregnadas disso: nelas encontramos sardinhas escondidas, águas-vivas, lulas… mas também o vento, o movimento das ondas… Esse imaginário marinho que carrego comigo sempre esteve presente, de forma consciente, provavelmente por saudade. Ele está diretamente ligado às lembranças da minha infância.

Tuas obras transmitem um imaginário narrativo muito forte, sem nunca propor uma história…
Há sempre uma história, que alguns percebem através dos títulos – que fazem sentido para mim – que dou às minhas obras. Mas evito deliberadamente explicar o conteúdo, a menos que me peçam. Proponho uma viagem, um sonho acordado, sem nunca impor uma narrativa. O que me interessa é esse diálogo silencioso com quem está olhando. Gosto de descobrir o que os outros projetam no meu trabalho, suas interpretações, suas leituras. E quando, às vezes, elas coincidem com o que eu tinha em mente, isso me toca profundamente.

Quais são as tuas fontes de inspiração?
O meu trabalho se alimenta de fontes muito diversas: das pessoas que encontro, da poesia, da literatura, especialmente a japonesa, por ser muito onírica… mas também de uma simples conversa. Daí nascem as imagens. Elas surgem e geram temas que preciso colocar na tela ou no papel.

Seu universo é povoado por figuras híbridas. Como esse repertório foi se construindo?
Eu sempre desenhei. Quando criança, desenhava em qualquer lugar: com giz no chão, com conchas na areia molhada e nas rochas… Aos 20 anos, entrei numa escola de artes. Lá, experimentei bastante estilos diferentes, com uma paleta bem colorida. Depois, por causa de uma experiência bem chata num festival onde eu estava apresentando meu portfólio, deixei minha prática artística de lado por quase quinze anos, mas continuei a “rabiscar”. Esse trabalho muito íntimo, que contém as bases do meu universo atual, ficou escondido por muito tempo… até o dia em que minha chefe o descobriu por acaso, gostou tanto que me pediu para ilustrar os livros de um cliente. Essa experiência foi decisiva. Ela me libertou completamente. Percebi que o que eu carregava dentro de mim finalmente podia se expressar. Foi assim que essas figuras enterradas em mim vieram à tona.

O que representam essas figuras?
Trata-se, acima de tudo, de figuras repletas de referências mitológicas, históricas e, às vezes, literárias. Sempre há referências, mesmo que eu não fale necessariamente delas. Muitas vezes são ciclopes, ou até mesmo uma mesma figura que atravessa várias vidas: vemos uma silhueta, um rosto…

Tuas figuras híbridas parecem estar sempre em equilíbrio, em suspensão. Por que essa falta de referência temporal e geográfica?
Provavelmente porque eu mesmo não tenho uma referência muito concreta… Isso também remete à vida muitas vezes caótica para a maioria de nós. Assim, no meu trabalho, os elementos ficam em suspensão, avançando por uma corda em busca de um ponto de equilíbrio para não tombarem para um lado ou para outro.

Essa perda de referência também é bem perceptível para quem está assistindo. Você tenta provocar essa sensação de vertigem?
Não é algo planejado, mesmo que eu saiba hoje que muita gente sente isso. Pessoalmente, essa perda de referência me atrai. Gosto de me perder antes de encontrar um sentido. Minhas figuras evoluem assim em paisagens que não lhes correspondem: as proporções estão distorcidas, as escalas alteradas, nada é realmente realista. Tudo remete ao surrealismo, ao onírico. Esse deslocamento, esse lado improvável é algo que eu assumo e que amo profundamente.

Tua linguagem plástica se baseia em um preto e branco muito marcante, pontuado por toques de vermelho. Por que essa escolha?
Adoro cores e sei muito bem como usá-las, mas, no meu trabalho, vejo-as como uma distração. Preciso ir direto ao essencial, sem floreios, mesmo que a simplicidade seja um exercício extremamente exigente. Para mim, o preto carrega uma parte mais sombria, às vezes invisível à primeira vista, e reforça a atemporalidade. O vermelho, por sua vez, introduz uma dimensão dramática. Ele remete à luna rossa, aquela imensa lua vermelha que eu observava à noite quando era criança e que me fascinava. Mas cada um vê nisso o que quiser… Assim, aprecio o contraste quase marcante entre o preto, o branco e o vermelho.

Seu traço é extremamente denso, quase obsessivo, mas o conjunto continua fluido. Como você consegue esse equilíbrio?
A composição é fundamental no meu trabalho. Estou sempre em busca de um ponto de equilíbrio, mesmo que nem sempre consiga explicar; é, em grande parte, intuitivo. Por muito tempo, trabalhei com a improvisação. Hoje, meu processo é diferente, ele se constrói em etapas: faço esboços, penso antecipadamente na composição, no formato, na sensação que quero transmitir. Depois, posso desenhar livremente, mesmo que passe horas nos detalhes.

Esse traço tem um papel central no teu trabalho…
Sim. Gosto de trabalhar com traços de diferentes espessuras. No papel, uso tinta nanquim, pincéis e canetas bem finas. Na tela, uso acrílico, tinta acrílica e pincéis de vários tamanhos. Assim, sobreponho vários tons de preto, o que cria uma textura quase imperceptível, mas, no entanto, muito presente, com motivos que emergem nas áreas planas. É aí que encontro meu equilíbrio: entre traços de extrema minúcia e outros traçados com descontração, impulsionados por um movimento mais espontâneo e amplo, mas também no contraste constante entre o preto e o branco.

O que muda quando se passa da tela para a parede?
Na parede, é preciso abrir mão da precisão. No começo, eu não gostava dos meus murais porque não eram nítidos o suficiente para mim. Hoje, eu gosto da parede pelo que ela é: suas irregularidades, suas imperfeições, a dose de improvisação que ela exige. Mesmo assim, eu concebo um afresco como uma tela, com um esboço bem preciso antes de começar. Mas, uma vez diante da parede, algo se libera. O suporte oferece uma liberdade incrível.

Como você concilia domínio e espontaneidade?
Tanto no estúdio quanto na parede, há sempre essa dupla tensão entre domínio e espontaneidade. O domínio fica reservado às figuras; a espontaneidade, o deixar-se levar, à atmosfera. O cenário se desenvolve assim de forma mais ampla, mais dinâmica, enquanto os personagens, construídos com traços bastante geométricos, tentam sobreviver em meio ao caos. Nunca sei de antemão se o mar estará calmo ou agitado, se haverá nuvens… A história está lá, mas o clima muda. É uma alternância constante entre calma e vibração.

O teu trabalho parece estar muito ligado aos teus estados emocionais…
Sim. Durante muito tempo, eu pintava principalmente em períodos difíceis. Hoje, isso já não é necessário. Consigo criar mesmo quando tudo está bem. Pintar traz-me o equilíbrio de que preciso, independentemente das emoções que estou a sentir.

Quais são os teus planos?
Estou dando continuidade a uma colaboração com Jean-Paul Boyer. É um diálogo muito estimulante, que se estende ao longo do tempo. Aliás, cinco novas esculturas serão apresentadas na Lille Art Up, no estande da galeria Marie Rigaux. Também vou participar das próximas exposições da galeria Nature Forte, uma em março e outra no outono. E estou preparando uma série de obras em formatos bem grandes, que serão apresentadas em 2027 no sul da França. De maneira mais ampla, quero continuar explorando novos meios, principalmente a escultura, e também gostaria de criar uma fachada de prédio…

A não perder:
Lille Art Up,
Galeria Marie Rigaux,
de 12 a 15 de março de 2026,
galeriemarierigaux.fr

Galerie Nature Forte
De 12 de março a 11 de abril de 2026
natureforte.fr
Instagram: @galerienatureforte

Fragola de la Vega: fragoladelavega.com
Instagram: @fragola_de_la_vega