ZuriK, a emoção além das palavras e dos olhares
Na ZuriK, as letras não são mais o tema da obra. Elas se tornam a arquitetura invisível dela. Formas, cores, composição… não substituem as letras: elas revelam as possibilidades que elas oferecem.
Toda linguagem artística se constrói tanto por seus fundamentos quanto por sua capacidade de se renovar. É nessa dinâmica que se insere o trabalho de ZuriK. Para a artista, a letra, matriz de sua obra, torna-se estrutura, princípio de composição, tensão interna que organiza o espaço pictórico e une os diferentes elementos em um equilíbrio visual de notável domínio e grande coerência. Essa busca constante reflete uma vontade obstinada de questionar suas próprias conquistas e de ultrapassar os limites de uma linguagem cujas possibilidades ela explora incansavelmente, integrando figuras femininas, jogos de luz, cores, arquiteturas geométricas… Assim, sua obra não depende mais do que se lê, mas do que se constrói.
No seu trabalho, as letras estão sempre presentes, mesmo quando parecem desaparecer na composição. Por que elas continuam sendo um ponto de referência tão essencial pra você?
Quando comecei a pintar letras, o desafio de fazê-las existir como um todo coerente, ao mesmo tempo em que preservava a legibilidade delas, me fascinava. Diferente de outros temas, as letras não são objetos físicos, mas representações gráficas da nossa linguagem. Tenho certeza de que ainda há muito a ser explorado nessa busca por dar a elas uma personalidade e características que normalmente atribuímos aos seres humanos. Com o passar dos anos, mudei a maneira como uso as letras, a ponto de, hoje, elas passarem quase despercebidas pela maioria das pessoas. No entanto, mesmo quando parecem desaparecer, a forma delas ainda guia minhas composições. Elas são um elemento-chave da estrutura na qual me apoio quando integro objetos ou rostos. Elas se tornaram a base indispensável para a elaboração da obra final.
Às vezes, suas obras dão a impressão de que as letras são construídas, em vez de escritas. Como você aborda a arquitetura delas?
Minha compreensão da estrutura de cada letra foi evoluindo com o tempo. No começo, eu ficava mais fascinada pela cor e pelo preenchimento das letras do que pela própria construção delas. Depois, experimentei formas clássicas e tradicionais de letras, ao mesmo tempo em que estruturava minha linguagem em torno da geometria. Explorei essas duas vertentes ao mesmo tempo, cada uma alimentando a outra. Houve uma época em que construía cada letra a partir de um círculo central, de onde partiam todas as linhas. Mais tarde, passei a trabalhar com um efeito tridimensional dentro dos próprios traços, criando assim letras bem mais legíveis. Hoje, minha abordagem ficou mais abstrata: uso os círculos apenas como base de trabalho; por isso, eles não aparecem na composição final. Se você observar minhas obras com atenção, vai perceber uma certa complementaridade entre as curvas e os ângulos retos: as curvas trazem fluidez, enquanto as linhas retas trazem força. É esse equilíbrio visual que eu busco.
Qual é o papel dos efeitos de luz na construção das letras?
Por um tempo, eles tiveram um papel essencial. Depois de definir o traçado principal, eu tratava cada forma resultante das interseções das letras seguindo o mesmo princípio: um preto profundo nos contornos e gradientes em direção ao centro, terminando em branco. Isso dava às letras um certo volume sem precisar de técnicas 3D tradicionais. Como era um processo quase mecânico, eu conseguia pintar mais rápido. A sombra e a luz eram definidas por cada forma, o que me poupava de ter que pensar na iluminação geral. Hoje, abordo as letras de um jeito mais plano, sem ir até o preto e o branco. Nas minhas composições recentes, as letras quase se fundem com o fundo; por isso, reflexos marcantes ou muito pronunciados não são mais essenciais. Para compensar, uso tons bem mais claros do que antes, o que dá mais luminosidade à obra como um todo.
Você deu uma reviravolta no estilo Wildstyle, incorporando construções tridimensionais, perspectivas, efeitos gráficos…
Desde o início, me opus às regras tradicionais do grafite. Achava chato e repetitivo fazer uma obra reproduzindo sistematicamente o mesmo processo: traçar as letras, preenchê-las, pintar o contorno, adicionar um efeito 3D e finalizar com alguns toques de luz. Sempre levei a arte das letras muito a sério e, desde minha primeira obra, considerei isso um compromisso para a vida toda. E se vou me dedicar a isso por tanto tempo, espero que minha prática evolua, se enriqueça e enfrente novos desafios. Se eu não questionasse regularmente a minha maneira de trabalhar, minha abordagem se tornaria mecânica e sem sentido! Sempre defendi a ideia de que as letras oferecem um potencial imenso para criar novas composições, indo tão longe quanto nossa imaginação permitir…
As figuras femininas têm um papel importante no seu trabalho. Como elas surgem?
É curioso ver como acabei incorporando a figura feminina, já que, desde muito jovem, eu criticava veementemente o predomínio das representações da mulher na pintura — presa a duas visões opostas: a da fertilidade ou da maternidade, vistas como sagradas e puras; e a da tentação, do proibido, da sexualização do corpo feminino, como encarnação do mal –, contrastando com a visibilidade limitada das mulheres artistas. Com o tempo, descobri que a figura feminina podia expressar muito mais do que esses dois arquétipos. Essa jornada me reconciliou com ela, a ponto de agora ela ocupar um lugar tão central quanto as letras no meu trabalho. O que mais me interessa é o olhar. As mulheres que pintei têm, todas, um olhar cheio de confiança, de determinação, quase um desafio sem autoritarismo. É um olhar ao mesmo tempo suave e forte, o de alguém que sabe o que quer, quem é e para onde quer ir. Por meio dessas mulheres, procuro expressar a maneira como encaro a vida. Alguém me disse um dia que, sejam quais forem seus temas, os artistas sempre acabam projetando inconscientemente uma parte de si mesmos em suas obras. No meu caso, acho que o olhar das minhas personagens reflete minha visão de mundo: ele expressa não só o que eu aspiro ser, mas também, numa espécie de utopia, o olhar que eu gostaria que cada um tivesse sobre si mesmo.
Quem são essas figuras femininas?
Minhas modelos são sempre desconhecidas. Já aconteceu de eu fotografar algumas amigas para fazer um mural, mas quando você conhece a pessoa, a relação entre o que você busca e o resultado é completamente diferente. Às vezes, eu mesma componho os rostos: me inspiro em duas ou três pessoas reais e misturo as características delas. É um processo mais demorado, mas incrivelmente gratificante. Aliás, gostaria de incluir outros tipos de figuras no meu trabalho, nem sempre humanas, aliás…
Essas figuras parecem dialogar com as letras sem nunca ficarem subordinadas a elas. Como você constrói esse diálogo?
Quando uma figura ocupa um lugar central, eu sempre começo posicionando-a no espaço e definindo sua paleta de cores. Quanto às letras, procuro fazer com que o Z tenha um destaque na parte de cima da composição; sua extensão geralmente desce até a altura do cabelo. Depois de definir essa letra, sigo com as outras. Às vezes, por causa da composição ou das características da personagem, algumas letras são difíceis de encaixar. Nesses casos, eu as substituo por uma tipografia simples que cumpre uma dupla função: compensar a ausência da letra e trazer luz e contraste, já que esses elementos geralmente são feitos em branco. Para manter o equilíbrio entre o lettering e o personagem, eu limito a paleta de cores. Uso nas letras várias das tonalidades do personagem e, depois, estendo esses mesmos tons para o fundo, pra garantir uma coerência visual geral.
Seus personagens têm uma presença muito forte. O que você busca através dos olhares ou das expressões deles?
Eles podem trazer lembranças, despertar emoções… Eu as escolho de acordo com o que elas despertam em mim, em eco às minhas vivências que, longe de serem únicas, fazem parte da trajetória de todo ser humano. Trata-se de experiências universais: a perda, a tristeza, a esperança, a alegria, as dúvidas, os sonhos… Preciso me sentir em harmonia com o que pinto; é a minha maneira de aliviar o estresse e lidar com as situações que a vida coloca no meu caminho. Mas, uma vez que a obra está pronta, ela passa a pertencer ao olhar dos outros. Cada um projeta nela sua própria sensibilidade, sua história e sua cultura.
A precisão do seu trabalho é quase irreal. Qual é o papel do domínio técnico no seu processo criativo? É uma obsessão?
Com certeza! Meu trabalho é muito controlado, nítido e preciso. Geralmente não deixo nada ao acaso, uma tendência que só se acentuou com o passar dos anos. Eu achava que, quanto mais dominasse minhas ferramentas, mais poderia “brincar” com o processo criativo, mas foi exatamente o contrário que aconteceu [risos]. Busco incessantemente a perfeição no traçado, nas junções e nos degradês. Mesmo quando pinto paredes de formato bem grande, feitas pra serem vistas a vários metros de distância, me esforço pra aperfeiçoar cada linha, chegando às vezes a apagar até mesmo o menor escorrido. Isso me traz uma satisfação pessoal e uma sensação de calma, mesmo que, pra ser sincero, eu tenha muita inveja daqueles que pintam sem ficar tão obcecados por esses detalhes [risos]. Se tem uma coisa que eu gostaria de mudar na minha prática, seria conseguir, de vez em quando, relaxar um pouco. Talvez assim eu descubra outra linguagem e novas formas…
Seus murais interagem com um lugar, uma arquitetura, os moradores locais. Por outro lado, o trabalho em estúdio parece oferecer uma relação muito mais íntima com a obra. Além da diferença de escala, o que muda entre esses dois espaços de criação?
Acho que mantenho essa relação íntima com os dois espaços de criação, mas de maneiras diferentes. Quando pinto no espaço público, me desligo completamente do que está ao meu redor. Não importa se é uma rua movimentada ou um festival de música, fico totalmente concentrada no meu trabalho, a ponto de esquecer de beber ou comer. E mesmo que o cansaço físico seja bem maior, isso me traz uma sensação verdadeira de felicidade. No estúdio, por outro lado, mesmo tendo todo o espaço e melhores condições materiais, sinto solidão. Sempre trabalhei de forma independente e construí minha carreira sozinha. Por isso, estou acostumada à solidão prolongada. Mas estar sozinha e se sentir sozinha são duas coisas bem diferentes. Trabalhar sozinha não me incomoda, mas no ateliê, sem o estímulo da vida urbana, essa sensação de solidão se intensifica e toma conta de boa parte dos meus pensamentos. Tenho muita experiência com afrescos monumentais e geralmente pinto bem rápido. No estúdio, por outro lado, tenho menos experiência. O formato menor exige mais tempo por causa do meu perfeccionismo. É por isso que, apesar das obras serem menores, dedico muito mais horas a elas. Talvez seja também por isso que essa sensação de solidão fica mais forte.
Qual é a constante que liga a jovem grafiteira de Bogotá à artista internacional em que você se tornou?
Eu ainda amo tanto o que faço. No começo, eu tinha 19 anos e vontade de conquistar o mundo. Sentia uma necessidade incontrolável de pintar, de viajar… Essa paixão nunca me abandonou! Cada novo projeto sempre tem um pouco daquela minha primeira vez, e acho incrível ainda sentir isso depois de todos esses anos. Costumo mergulhar no meu passado. Mantenho meus arquivos atualizados e cada obra que fiz é cuidadosamente documentada. Isso me ajuda a refletir sobre as ideias que ficaram inacabadas, aquelas que explorei a fundo, e aquelas às quais nunca dei o espaço que mereciam… Revisitar meus trabalhos antigos me permite não só avaliar o progresso que fiz, mas também redescobrir elementos que eu considerava erros ou sem interesse, quando, na verdade, eles podem acabar servindo para novas criações.
Que áreas artísticas você gostaria de explorar?
Quero aprofundar meus conhecimentos em mecânica e eletrônica para integrar esses conhecimentos ao meu trabalho com madeira. Também tenho interesse por vídeo. O que me interessa é como minha pintura pode ser transposto para uma linguagem audiovisual. É uma trajetória que comecei há alguns anos, mas gostaria, no futuro, de dedicar mais tempo a isso para ver o que vai rolar…
Quais são seus planos?
Até o final do ano, vou me concentrar no trabalho no estúdio, principalmente no desenho tradicional em papel. A facilidade que o iPad oferece de levar meus projetos comigo pra qualquer lugar quando estou viajando me afastou desse meio, mesmo estando convencida de que ele vai me ajudar a encontrar novas ideias e abrir novos caminhos de pesquisa… Inevitavelmente, quando o meio muda, a pintura também evolui. O primeiro semestre de 2027 pode acabar sendo caótico, já que pretendo me mudar para outro país, o que sempre traz desafios específicos. No entanto, minha intenção é continuar priorizando o trabalho no ateliê — explorando novas paletas de cores e novas técnicas de aplicação nos meus suportes de madeira — ao mesmo tempo em que me dedico a projetos e murais que reflitam minha visão e minhas preocupações artísticas.
