Flog: uma transição cheia de sentido

Flog continua a afirmar um universo plástico singular por meio de composições que ganham cada vez mais profundidade narrativa. Embora sua pintura continue sendo um espaço de intimidade compartilhada, ele agora se permite a alteridade, a profundidade e o diálogo. Mágico!

O que chama a atenção logo de cara no trabalho de Flog é a clareza emocional com que ele aborda a condição humana. Desde suas primeiras obras, ele questiona a nossa maneira de viver no mundo – não representando-o, mas revelando-o através da transparência de uma figura sem gênero, metáfora de um eu em constante construção. Essa silhueta icônica se enche de cores como um ser se enche por camadas, por ondas, por sucessivas oleadas de emoções, lembranças, experiências e valores. Cada tonalidade revela assim uma parte do que ele carrega dentro de si, enquanto sua transparência deixa entrever as múltiplas camadas, traços visíveis de uma identidade em movimento. Nessas composições permeadas pela questão da intimidade – não uma intimidade exibicionista ou narcisista, mas uma intimidade oferecida, universal, quase recatada –, cada figura traça uma narrativa existencial sem palavras: elas observam, sonham, hesitam… elas se parecem conosco. Essa linguagem da transparência, ao mesmo tempo plástica e simbólica, não parou de se refinar para alcançar uma nova densidade. Seu trabalho agora se enriquece com uma complexidade nova: a paleta cromática se amplia, as silhuetas se multiplicam, os espaços se abrem. Flog aprofunda sua linguagem e amplia sua narrativa, tanto no plano formal, com a janela que se impõe como estrutura narrativa, quanto no plano emocional, com o surgimento de uma personagem feminina. Essas evoluções traçam um limiar para suas personagens, situadas entre dois espaços, entre dois estados; para o espectador, convidado a cruzar, ele também, essa fronteira tênue entre o olhar fixo e a emoção compartilhada.

A transparência das tuas personagens torna visível o que normalmente fica oculto. O aparecimento da janela nas tuas obras é uma forma de introduzir o que está fora do enquadramento?
Não apenas… Achei interessante construir essa exposição individual a partir de um objeto, e a janela se impôs por sua transparência, que ecoa a da minha personagem. Ela me permite enriquecer minhas composições introduzindo cenários, algo que eu queria fazer há algum tempo, mas também brincar com as luzes, as sombras e os reflexos. Além disso, a janela me permite situar as personagens na fronteira entre o interior e o exterior. Há essa ideia de duplo olhar, já que ela é ao mesmo tempo passagem e barreira, ponto de acesso ao mundo e baluarte contra ele. Ela convida à evação, ao mesmo tempo em que preserva a intimidade. Seu simbolismo abre todo um campo de possibilidades…

A janela funciona como um limiar, um espaço intermediário. O teu personagem pensa em atravessar essa moldura?
É uma boa pergunta… Mesmo que haja uma parte “escrita” de antemão, nada está definido nas minhas composições. Eu me permito a liberdade de redesenhar, de deixar surgir uma ideia enquanto pinto. Algumas personagens simplesmente ficam em frente à janela, como observadoras, o que levanta uma questão sobre o que elas percebem e como percebem, fazendo indiretamente a mesma pergunta ao espectador. Outras a atravessam em direção a um lugar acolhedor. Para mim, o que a personagem vê deve fazer com que ela queira ir para lá.

Esse outro lugar pertence ao sonho ou à realidade?
O sonho não é necessariamente irreal ou inacessível; é, acima de tudo, uma maneira de estar no mundo, de olhar para o que nos rodeia com atenção e benevolência. O sonho não se opõe à realidade; ele sublima a beleza dela. Seja essa beleza real ou imaginária, é em direção a ela que o personagem caminha.

No teu trabalho, o vazio está sempre preenchido – por cores, gestos, silêncios. Com a janela, o vazio também se torna arquitetônico?
A janela me permite romper com fundos lisos, onde a transparência é apenas uma sugestão. Quero que ela seja mais sentida. Esse elemento que estrutura o espaço me ajuda a criar esse efeito, assim como uma figura passando na frente ou atrás de outra me dá mais liberdade para brincar com a profundidade. E essas escolhas técnicas abrem caminho para uma leitura mais simbólica. A janela pode, assim, aparecer em todos os tipos de contextos: em uma parede ou em um objeto. Esse retorno ao simbolismo me pareceu importante, mesmo quando eu já tinha seguido outra direção. Mas quando uma ideia se impõe, é preciso segui-la.

Nesta nova série, você apresenta pela primeira vez uma figura feminina claramente identificável. Por que essa escolha?
Na minha cabeça, minha personagem sempre foi sem gênero. Mas não controlo a forma como ela é vista, e muitos viram nela uma figura masculina. Eu quis desafiar essa percepção e abrir um campo narrativo muito mais amplo. Mesmo que eu já venha trabalhando há muito tempo em uma personagem feminina – uma etapa que eu vinha adiando, sabendo que era necessária –, a exposição na Dorothy Circus Gallery me pareceu ideal para abrir esse novo capítulo. Ela vem enriquecer o diálogo pictórico e me abre novas perspectivas.

Essa figura feminina torna a tua narrativa mais concreta?
Acho que não… Não é tanto a minha maneira de escrever que muda, mas sim a forma como a obra será interpretada pelo espectador. A introdução da personagem feminina abre, assim, outras interpretações: se uma mulher ou uma menina se identificar com ela, terei conquistado algo essencial! Além disso, essa figura feminina traz novidade e frescor ao meu trabalho. Não sei exatamente aonde isso vai me levar, mas tenho vontade de seguir em frente… e, acima de tudo, não fechar portas.

As personagens femininas e masculinas conversam entre si?
Claro. Várias pinturas mostram duas pessoas que claramente trocam palavras. Serão um irmão e uma irmã? Dois amigos? Um casal?… Cada um interpreta como quiser. Outras mostram várias pessoas interagindo, conversando no mesmo espaço. Tento não me limitar, me soltar mais…

E os quadros da exposição também vão dialogar entre si?
Sim, alguns quadros dialogam de forma evidente, outros nem tanto. O que importa pra mim é construir uma série coerente e equilibrada, marcada por elementos recorrentes – as figuras, as janelas, os tons de cor, os cenários… – sem deixar de preservar a singularidade de cada obra.

Com a introdução da janela e da personagem feminina, como o teu processo de trabalho evoluiu?
Sim, o meu processo mudou bastante, resultando em composições mais ricas, não só nos fundos, mas também nas roupas das personagens. Enquanto antes eu partia diretamente do desenho, do esboço a lápis, introduzi uma nova etapa. Em esboços, agora trabalho mais a cor antecipadamente para buscar harmonias e estruturar minha abordagem antes de me deparar com a tela. No entanto, não quero me limitar apenas à pesquisa. A pintura continua sendo para mim um espaço de liberdade absoluta onde tudo ainda pode mudar. Quero preservar essa espontaneidade, tanto no desenho quanto na pintura; é isso que dá vida às obras! Mas, quer uma composição exija reflexão ou simplesmente se imponha, busco acima de tudo a harmonia global, ao mesmo tempo sensível e coerente.

Você introduziu novas cores ou explorou combinações cromáticas inéditas?
Eu adoro cores! Sempre usei uma paleta bastante ampla, mas hoje me permito ainda mais liberdade para enriquecer minhas composições. Alguns tons são novos, outros continuam próximos das minhas séries anteriores. Esse trabalho cromático, principalmente nas roupas dos personagens, onde me afasto do cinza e do branco, abre novas possibilidades para mim, mais variadas, mas sempre coerentes. Dei esse passo em uma série apresentada em Bangcoc. Desde então, venho introduzindo novos motivos, novas silhuetas… para enriquecer gradualmente o universo do personagem, sem pressa. Cada etapa precisa fazer sentido!

E, por outro lado, o desenho continua sendo uma etapa imprescindível pra você?
Com certeza. Mesmo que agora eu conheça perfeitamente meu personagem, a ponto de poder me permitir certas liberdades, não consigo abrir mão do desenho. Ele continua sendo o cerne da minha prática. Os esboços são minha primeira base de pesquisa, meu ponto de referência! Tenho sempre um caderno comigo, um lápis, para anotar ideias na hora. Um rabisco feito há meses pode assim se tornar um desenho e, depois, uma tela. Não poderia abrir mão nem do desenho nem da pintura.

Você sempre usa os mesmos materiais?
Eu trabalho sempre com tinta acrílica e spray, mas tenho usado cada vez mais o aerógrafo em pequenos toques. É uma ferramenta que eu usava de vez em quando, mas da qual preciso mais hoje em dia, principalmente para criar efeitos de luz, brilho e desfocados. O aerógrafo, mais fino e preciso, se encaixa no meu processo e me permite adicionar sutileza ao resultado final.

Quantas obras você vai apresentar na exposição?
A exposição vai reunir quatro desenhos coloridos e entre doze e quatorze pinturas, em formatos relativamente semelhantes entre si. Apenas três ou quatro peças terão mais de um metro. Em sintonia com o espaço da galeria, procurei deliberadamente alcançar tanto uma certa unidade, para evitar rupturas visuais muito marcantes, quanto uma certa variedade, para oferecer uma dinâmica de conjunto e um percurso suave. Estou tentando profissionalizar minha abordagem…

Nesse sentido, você já pensou em fazer uma cenografia?
Não para essa exposição, em que a montagem vai ser bem clássica. Mas pretendo explorar a cenografia no futuro. Isso me parece ainda mais interessante porque minha personagem poderia se inscrever em outras dimensões: através do volume, da instalação ou de dispositivos imersivos. Esse trabalho em torno do espaço, do diálogo com o local… me atrai cada vez mais. Uma nova etapa que pretendo dar.

O que essa exposição na Dorothy Circus Gallery significa para você?
Expor na Dorothy Circus Gallery, em Londres, é uma verdadeira honra. Num cenário artístico muitas vezes instável, a longevidade dessa galeria é garantia de seriedade e qualidade. Vários artistas, cujo trabalho admiro profundamente, já foram apresentados lá. Colaborar com a Alexandra, que tem uma visão singular, uma sensibilidade rara e uma sólida experiência, também é uma grande oportunidade. Trabalhar ao lado dela é uma oportunidade de enriquecimento, tanto humano quanto artístico. De forma mais ampla, tenho a sorte de estar acompanhado por galeristas incríveis, com espaços de exposição lindíssimos. E isso é sempre um sonho… Às vezes, ao redescobrir certas obras dos meus primeiros anos, percebo o caminho que percorri. Exerço uma profissão apaixonante, exigente, mas profundamente estimulante, e espero continuar por muito tempo neste caminho entre a criação e belos encontros.

Pintar, será uma obsessão? Para
mim, pintar é uma necessidade. É a minha maneira de estar no mundo, é a minha linguagem, uma linguagem silenciosa, muitas vezes interior, mas essencial para o meu equilíbrio. Cada quadro chama o seguinte, cada etapa prolonga a anterior. É assim que vou avançando, tela após tela. A história está sendo escrita, e tenho a impressão de que ela está apenas começando. É isso que me leva a enriquecer minha prática, porque sei que ainda estou longe do que busco alcançar.

A não perder
: «A Window on the World»
De 10 a 30 de outubro de 2025
De terça a sábado, das 10h30 às 18h30
Dorothy Circus Gallery
35, Connaught Street Londres W2 2AZ Reino Unido
dorothycircusgallery.com
Instagram: @dorothycircus

Flog: flog-artwork.com
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