Jo Di Bona, a arte do grande salto

No Château de Val, Jo Di Bona apresenta obras recentes, arquivos e uma instalação inédita em uma retrospectiva que explora tanto a evolução de um artista quanto a consistência de um olhar.

Tem aquelas exposições que a gente visita; e outras que a gente simplesmente atravessa. A que o David Chabannes dedicou ao Jo Di Bona no Château de Val se encaixa claramente na segunda categoria. Concebida como um percurso, a exposição convida a circular entre as diferentes facetas de um artista que nunca deixou de ampliar seu território de expressão. Dos desenhos feitos na adolescência às obras mais recentes, das homenagens aos grandes mestres às figuras da cultura popular, cada sala revela uma nova dimensão do seu universo. A exposição compõe uma narrativa onde dialogam épocas, influências e sensibilidades. Uma proposta à imagem de Jo Di Bona: generosa, acessível e profundamente viva.

O que te convenceu a expor no Château de Val?
Primeiro, o David. Ele é um apaixonado que, há muitos anos, organiza exposições nesse lugar cheio de história e memória, algo que me toca profundamente. Essa relação com o tempo e com quem veio antes de nós me toca muito. Saber que artistas como Bernard Buffet, Peter Klasen ou, mais recentemente, Chloé Kelly Miller já expuseram aqui antes de mim, sem dúvida dá um significado especial ao convite. Na nossa primeira visita, eu nem tinha entrado ainda e já estava convencido, porque é um lugar excepcional. A Amélie e eu também gostamos muito de projetos que nos levam para fora de Paris. Eles permitem conhecer outros públicos e regiões que, às vezes, têm menos opções culturais. Na inauguração, aliás, fiquei muito emocionado quando uma jovem me contou que essa era a primeira exposição da vida dela.

Como você abordou esse encontro entre a sua linguagem do Pop Graffiti e a arquitetura medieval do castelo?
A arquitetura é incrível. Eu e a Amélie adoramos pedras antigas, visitar castelos, monumentos e igrejas. Mas, com exceção da minha interpretação do Castelo de Val, onde retomo a silhueta ao mesmo tempo imponente e elegante do castelo na tomada de drone — filmada pela nossa cinegrafista Amel Vanau, pela qual me apaixonei de verdade — para torná-la o tema principal, o local não influenciou diretamente a minha criação. Mesmo assim, escolhemos algumas obras que remetem ao passado, como “A Dama com o Armim” ou a “Mona Lisa”. Elas não têm nenhuma ligação direta com o castelo, mas o contraste entre essas referências e meu universo Pop Graffiti cria um diálogo interessante. Também gostei muito da disposição das obras idealizada pelo David. Quando a vi, tive a impressão de me encontrar numa época difícil de identificar: a gente não sabe mais ao certo em que época estamos. Gosto muito dessa ideia, porque ela cria uma ponte entre diferentes épocas, respeitando quem veio antes de nós.

Como vocês montaram essa retrospectiva?
Eu criei mais obras do que o necessário e o David já tinha várias peças na galeria dele. Então, a gente tinha mais material do que podia expor. O David fez a seleção das telas com seu olhar de galerista lá mesmo no Castelo, enquanto a Amélie mergulhou nos meus desenhos dos anos 1990 para estabelecer conexões e escolher os mais relevantes. Graças a eles, essa retrospectiva apresenta um panorama bem amplo da minha trajetória. Incluímos até mesmo grandes fotografias de algumas pinturas murais que fiz, pra que os visitantes possam conhecer meu trabalho no espaço público.

Essa retrospectiva também dá a chance de conhecer desenhos que fiz na adolescência…
Quando eu tinha uns 15 anos, a gente não tinha grana pra comprar telas nem mesmo tinta. As folhas de 21 x 29,7, um formato prático que se encontrava em todo lugar e que dava pra levar pra qualquer lugar, acabaram se tornando a escolha natural. Durante um bom tempo, eu me expressei nessas folhas. E, bem cedo, tive a ideia de guardá-las. Eu pensava que um dia iria tirá-las das pastas para fazer uma exposição chamada “21 x 29,7, não me estresso”, meu lema da época. Tirá-las de novo foi muito emocionante. O cheiro do papel, o das canetas marcadoras velhas… fizeram ressurgir as lembranças que vivi com os amigos. Esses desenhos são meio que meu diário íntimo. Eles contam os anos em que a gente ia fazer grafite ilegal, quando às vezes a polícia nos pegava. Cada um deles carrega uma história. Até encontrei uma colaboração que fiz com o Lek, em que ele grafou meu nome e eu, o dele.

Esses desenhos mostram um lado bem pessoal da sua história. Você ficou em dúvida antes de tirá-los das pastas?
Sim, porque, ao exibi-los, estou revelando o adolescente um pouco nervoso e meio desajeitado que eu era. Dá pra ver erros de ortografia, rasuras… mas também uma sinceridade, uma pureza, uma clareza que eu gostaria de reencontrar hoje no meu trabalho. Esses desenhos são insubstituíveis; eu os guardo como se fossem a menina dos meus olhos! Cheguei até a perguntar ao David se fazia sentido expor os originais. Se algum deles sumisse, eu teria a sensação de que estavam roubando um dia da minha vida [risos]. Aliás, fico muito feliz que o David tenha aceitado exibi-los, mesmo que não estejam à venda.

Duas obras se destacam do resto da exposição: “Revolver” e “This is War”…
Eu quis apresentar obras que refletissem minhas preocupações do momento. “Revolver” é, antes de tudo, uma homenagem a Andy Warhol, um artista que me influenciou muito e que considero um avô espiritual. Admiro a capacidade dele de retratar a sociedade de consumo com muita ironia. Ao reler a biografia dele, fiquei impressionado com o relato da tentativa de assassinato de que foi vítima em 1968. Essa tela também evoca a banalização da violência nas nossas sociedades. O revólver aparece nela como um produto de consumo, da mesma forma que uma lata de Coca-Cola. Uma obra de impacto, com o revólver de frente para o espectador, impossível de ignorar. Com “This is War”, abordo outra realidade. Hoje em dia, a TV ou o rádio só falam de conflitos, de bombardeios orquestrados por certos líderes que estão competindo para ver “quem tem o maior?”. Enquanto a gente fica de olho na previsão do tempo pra saber se vai fazer sol amanhã, outras pessoas vivem sob a ameaça constante de uma chuva de mísseis. Eu penso nisso todo dia.

Essas obras revelam um lado mais sombrio do seu trabalho que a gente conhece menos…
Eu gosto de pintar a natureza, os animais, a história da arte, as personalidades… mas não me proíbo de nada. Posso apresentar uma obra bem terna e, ao lado, algo bem mais brutal. Embora essa faceta mais sombria não seja o cerne do meu trabalho, às vezes sinto a necessidade de me expressar sobre certas realidades do mundo que me afetam profundamente. Pra mim, um artista precisa ser sincero e criar uma conexão entre a própria alma, a sociedade, a vida e o público que vê suas obras.

Conta pra gente sobre sua série “Cow”…
Essa série também é uma homenagem ao Warhol. Eu queria pegar essa vaca que virou um ícone e reinterpretá-la. A descoberta do Cow Wallpaper, apresentado na exposição “Pop Forever – Tom Wesselmann &…” na Fundação Louis Vuitton acabou de me convencer. Sou super fã das gravuras de vacas que ele fez. Acho incrível que um mesmo artista dedique seu trabalho a uma figura tão icônica quanto Marilyn Monroe e, ao mesmo tempo, a uma simples vaca. Eu me identifico muito com essa liberdade. Posso sentir uma profunda admiração por personalidades como Simone Veil ou Gisèle Halimi e ficar igualmente emocionado diante de uma vaca. Tenho um imenso respeito pelos animais, tanto quanto pelos seres humanos, e não escondo isso.

O que essa retrospectiva quase museológica significa na tua trajetória?
Uma exposição em um museu representa a busca de todo artista. Ter a imensa sorte de expor em um lugar tão prestigiado é, obviamente, importante! É inscrever o seu trabalho na história e ocupar, modestamente, um lugar entre aqueles que vieram antes de nós. É também um belinho tijolinho na construção de uma carreira e uma experiência e tanto! Isso dá força pra pensar em projetos que, até então, pareciam fora de alcance. Embora eu continue sendo, no fundo, aquele garotinho de quinze anos que desenhava em suas folhas de 21 x 29,7, essa retrospectiva também nos leva, a mim e à Amélie, a pensar em exposições mais institucionais para alcançar outro público. O que nunca vai me impedir de ir pintar uma parede, mesmo que seja ilegal [risos].

Expor no Château de Val também significa ir ao encontro de um público diferente. O que isso significa pra você?
A música me ensinou a importância do palco. Sem show, não tem encontro com o público. Acho essencial ir a lugares onde não estão necessariamente esperando por você e conhecer públicos diferentes. Com a Amélie, a gente curte tanto apresentar nosso trabalho em Nova York ou em Miami quanto no Château de Val, talvez até mais, às vezes. Aqui, a gente encontra visitantes que não estão necessariamente familiarizados com o meu universo. Alguns ficam imediatamente encantados; outros, mais reservados, se perguntam o que um artista como eu está fazendo num lugar como esse. Mas sempre há aqueles momentos raros, quando você vê surgir um sentimento no olhar de alguém quando menos esperava. E isso é uma sorte extraordinária.

A opinião de David Chabannes

Por que escolheram o Jo Di Bona para a edição de 2026?
A galeria já organiza exposições no Château de Val há mais de cinquenta anos. Nos últimos anos, mudamos um pouco a fórmula. Agora, apresentamos apenas uma exposição por temporada, com o objetivo de construir um projeto de verdade, em vez de uma simples montagem de obras. Jo Di Bona surgiu naturalmente. É um artista com quem trabalhamos há muito tempo, com quem temos uma relação de confiança e cuja evolução eu admiro. Descobri o trabalho dele através dos retratos de animais, com esses fundos bem coloridos, bem no estilo Pop, e essa maneira de revelar diferentes camadas, meio no estilo dos cartazes rasgados de Villeglé. Dá pra perceber um pouco da história das paredes nisso. Mesmo assim, ele nunca se limitou a esse estilo. Com o tempo, ele introduziu mais textura, desenvolveu fundos com efeitos de “reboco”. Também curto o lado instintivo dele. É um artista que pensa bastante, mas que mantém uma grande espontaneidade no trabalho. Essa liberdade traz uma energia imediata à sua pintura. Expor o trabalho dele no Castelo permite, assim, quebrar certos códigos, ao mesmo tempo em que respeita a identidade do lugar, onde várias obras conservadas no local fazem referência aos grandes mestres da Renascença e são apresentadas em molduras antigas. As telas do Jo entram, assim, em diálogo com esse legado, ora em ressonância, ora em um contraste assumido. Era justamente esse encontro que nos interessava.

Por que é importante fazer uma retrospectiva de verdade?
Há muito tempo, o Jo falava na ideia de mostrar seus trabalhos de juventude, mas nunca tinha dado esse passo. São obras muito pessoais feitas entre 1990 e 1996: desenhos nos cadernos da escola, poemas, fotos, arquivos diretamente ligados à sua fase de grafiteiro. Até agora, ele hesitava em mostrá-las porque são muito íntimas. Para um artista, isso é como se expor, revelar uma parte da própria história. A seleção foi, portanto, montada em torno desses arquivos, aos quais se somaram obras mais recentes, para oferecer uma viagem por mais de vinte e cinco anos de criação.

Essa retrospectiva não se limita a uma simples exposição. Como você planejou o percurso da visita?
O percurso foi pensado como uma viagem pelo universo do Jo, onde cada sala destaca uma faceta do trabalho dele. Logo na primeira sala, o visitante descobre “21 × 29,7, je me prends pas la tête”, um conjunto de desenhos feitos na década de 1990 que conta os primórdios de Jo e mostra de onde ele vem. Outra sala é dedicada aos seus retratos de animais. Uma terceira reúne suas homenagens aos grandes mestres, apresentadas em molduras antigas que dialogam com o espírito do castelo. A última sala é dedicada aos retratos, com, no centro, uma instalação imersiva cuja realização foi um verdadeiro desafio. Entre os corredores estreitos do castelo, as restrições de conservação do local e as questões de segurança, foi preciso encontrar uma solução adequada. Foi assim que surgiu a ideia de uma cabana de madeira com mais de 4 m². Jo a pintou inteiramente em Gerzat [local da exposição “Jardin intérieur”, nota do editor]. A parte externa traz seu trabalho de caligrafia, enquanto o interior mergulha o visitante no seu universo: fundo trabalhado, pôsteres colados, acúmulos de materiais… que se revelam sob a luz negra. Depois de pronto, o galpão foi desmontado e remontado no Château de Val. A experiência surpreende bastante os visitantes porque, uma vez lá dentro, o efeito é particularmente impressionante.

Na tua opinião, o que o universo de Jo Di Bona traz para um lugar como o Château de Val?
O Château de Val recebe artistas há muitos anos. Essa sucessão de visões e sensibilidades nos lembra que a arte continua evoluindo. O castelo também precisa se renovar, recebendo regularmente novos artistas e novos estilos. Isso permite que os visitantes percebam que a arte tem seu lugar em qualquer lugar, mesmo quando assume formas diferentes. Quando a gente descobre a exposição da Jo nesse contexto, percebe que ela se encaixa naturalmente nessa história, porque o trabalho dela tem espaço tanto em um museu, um castelo, uma galeria, uma feira de arte quanto na rua. Ela é uma artista que representa uma parte do movimento artístico atual.

Essa retrospectiva tem um significado especial para o Jo Di Bona?
Acho que sim. Dá pra perceber isso quando ele fala da professora de desenho dele, aquela que o levava aos museus e o ajudou a entender o que era a arte. Acho que, pra ele, estar hoje no Château de Val é como fechar um ciclo. Ele começou nas ruas e hoje está no centro de uma exposição em um museu.

Cada artista convidado faz sua própria interpretação do Castelo de Val. Como o Jo Di Bona abordou esse desafio?
Ele apresentou uma interpretação bem pessoal, criando uma pintura em movimento. Gosto especialmente do fato de ele não ter tentado sobrecarregar a tela. Tratado como um retrato, o castelo ocupa o centro da composição. Também curto a maneira como ele integrou a inscrição “Château de Val”, que completa o tema.

A exposição também vem acompanhada de um documentário…
É mesmo. Uma cinegrafista acompanhou o Jo durante toda a aventura, desde a primeira visita dele ao castelo até a inauguração da exposição. O documentário mostra, assim, os bastidores do projeto: a descoberta do local, a preparação da exposição, a seleção das obras, mas também o momento em que ele mergulha novamente nos seus arquivos dos anos 1990.

Não perca a exposição
de Jo Di Bona no Château de Val
Até 1º de novembro de 2026
Château de Val, Les Fontilles 15270 Lanobre
chateau-de-val.com

Galeria Christiane Vallé: galerievalle.com
Instagram: @galeriechristianevalle

Jo Di Bona: jodibona.com
Instagram: @jodibona