Nasty: o grafite chega à primeira classe!

Figura histórica do grafite parisiense, Nasty segue com uma pesquisa comprometida. Com suas novas montagens de placas, ele faz seu trabalho evoluir sem alterar a essência: pintar com o que já existe, brincando com as limitações do suporte e a memória das superfícies.

Há, na obra de Nasty, uma forma de continuidade rara. Desde o início, o artista nunca parou de pintar, mantendo uma prática fiel ao grafite, sem rupturas, mas também sem estagnação. Seu trabalho se consolidou em torno de um gesto simples: pintar em superfícies urbanas, especialmente nas placas do metrô. Uma escolha que, no início, foi tanto uma necessidade quanto uma intuição. Suas últimas obras, que pudemos admirar na exposição “L’Amour du Risque” na galeria Chenus Longhi, são uma extensão direta disso. Nela, ele revisita a placa de metrô, elemento central e simbólico, por meio do ato de montagem. Ao recompor esses elementos provenientes da infraestrutura urbana, ele desloca a questão do suporte para a da construção. A tipografia se fragmenta, a superfície se estratifica, e a imagem se apresenta menos como uma evidência e mais como uma leitura a ser reconstruída.

Na época em que o grafite começou a entrar nas galerias, como você encontrou seu lugar?
Por um lado, alguns grafiteiros eram totalmente contra a ideia de ver o grafite nas galerias. Para eles, isso era uma traição: o grafite tinha que continuar sendo subversivo e ficar nas ruas. Por outro lado, como não tínhamos formação acadêmica, pintávamos com spray e não com pincel…, muitas instituições e galerias não nos consideravam artistas. Aliás, eu nunca pensei em seguir carreira artística. Ser artista era um luxo! Mesmo assim, aos 20 anos, eu já tinha exposto, sem apoio nem dos meus familiares nem do meu círculo de amigos, e sem perspectivas reais, eu pintava de vez em quando… mas levava a sério, porque acreditava nisso! O grafite, na rua ou em terrenos baldios, costuma ser uma questão de grupo, de afinidades, de estética comum. O coletivo – e sua lógica de ajuda mútua – é necessário para cobrir rapidamente superfícies imensas, mas muitas vezes implica em muitos compromissos. Ora, uma carreira artística não se constrói em grupo. A partir do momento em que você se compromete com uma direção, o trabalho se torna necessariamente pessoal. Hoje, não tenho assistente nem equipe. É uma limitação, mas é também o que me define.

Como você passou da rua para a galeria?
Quando as galerias começaram a se interessar pelo meu trabalho, me vi diante de artistas já estabelecidos, com práticas e estilos bem definidos. Nos anos 1990, principalmente nos Estados Unidos, o cenário já estava estruturado, com obras em tela e estéticas claramente identificadas. Eu era muito jovem, não tinha acabado de sair de uma escola de arte e não tinha ninguém ao meu redor para me orientar. Para encontrar meu lugar entre os mais velhos, optei por trabalhar em suportes urbanos. A primeira vez que roubei uma placa de metrô, guardei-a em casa como um troféu. Percebi então que sua forma se assemelhava à de uma tela e que eu poderia pintar nela, algo que ninguém tinha feito antes de mim. Esse trabalho rapidamente despertou o interesse de algumas galerias, principalmente a Magda Danysz, a primeira com quem colaborei. Em 2000, apresentei minha primeira exposição com placas de metrô junto com o Slice, meu parceiro nas ruas. Sem esse trabalho, eu não teria me destacado.

Com o tempo, esse suporte virou uma marca registrada…
A placa do metrô e, de forma mais ampla, o suporte urbano, se tornaram minha marca de identidade. Aliás, fui muito copiado. Encaro isso como uma forma de reconhecimento, mesmo que retomar uma linguagem já estabelecida seja também escolher o caminho mais fácil. E, com o tempo, isso acaba banalizando o suporte. Mas essa é, sem dúvida, uma das dificuldades da arte: conseguir impor uma estética imediatamente identificável, ao mesmo tempo em que a faz evoluir. Ativo desde o final dos anos 1980, acho que consegui isso [risos]. Hoje, aos 51 anos, estou iniciando uma nova etapa.

Essa nova etapa no teu trabalho, como ela se desenvolveu?
São os encontros que, com o tempo, fazem a prática evoluir e alimentam a pesquisa. Eles também permitem cruzar técnicas e ampliar o leque de possibilidades. Para essa exposição, eu quis propor algo novo partindo da mesma base: as placas do metrô. Esse suporte, você não escolhe; você pega o que encontra. Então, você fica limitado pelo tamanho delas: muito pequenas, muito grandes, muito largas, muito estreitas… Para criar meu formato ideal, tive a ideia de montá-las. Cyril Breuzard, um colecionador que se tornou meu amigo com o tempo, abriu as portas de sua fábrica para mim [Les Compagnons Metalliers Breuzard em Corbeil-Essonnes]. Sua oficina, equipada com máquinas para comprimir, soldar e deformar o metal, me ofereceu todo um campo de experimentação. No começo, os soldadores experientes me olhavam como se eu fosse um OVNI. Depois, com o tempo, os laços foram se criando, e alguns até passaram a dar sugestões. Como as placas são pesadas, o desafio era criar uma montagem que permitisse obter uma superfície grande o suficiente para pintar, mas que ainda fosse fácil de manusear. Para conseguir isso, trabalhei com a pessoa certa, que me ajudou a validar essa ideia e a conseguir soldas adequadas.

Essas obras se baseiam numa construção muito precisa…
Há um verdadeiro trabalho de composição nas montagens, nada é deixado ao acaso. Coloco as placas no chão e testo diferentes configurações, um pouco como um quebra-cabeça ou um mosaico. Algumas funcionam, outras não. Busco equilíbrios na assimetria, tensões, pontos de circulação na imagem. Uma vez encontrada a montagem, pinto tentando não cobrir totalmente as placas, para preservar tanto sua dimensão de sinalização quanto a simbólica. O metrô faz parte do dia a dia de muitas pessoas, e não só dos parisienses, aliás. Muitos têm uma relação quase emocional com uma linha, uma estação, uma saída… É por isso que faço questão de preservar uma parte visível do suporte. E, graficamente, essas placas também são muito bem concebidas. O design, a tipografia, as cores, tudo já está lá. Meu trabalho consiste em intervir sem apagar completamente essa base, deixando as duas leituras coexistirem.

Como surgiram os rasgos?
No começo, eu tinha a tendência de cobrir quase totalmente as placas. Não dava mais para perceber o suporte, e isso não funcionava. Para preservar 50% do suporte, a ideia dos rasgos surgiu naturalmente. Eles permitem que diferentes camadas fiquem à mostra, em referência aos grafites que se sobrepõem repetidamente nas paredes. Introduzir esses rasgos é fazer essa memória aparecer. Não mostramos apenas uma superfície, mas um acúmulo, uma profundidade. Essa exposição é o resultado de muitas experiências, uma síntese, um concentrado do meu trabalho dos últimos 30 anos: placas de metrô, letras, pedaços de parede, rasgos…

Nesse trabalho, o teu lettering parece se fragmentar. Como você abordou isso?
Tenho a sorte de meu lettering ser reconhecível, principalmente graças às cores que uso: tons suaves, mais no estilo “baunilha-morango”, vibrantes, mas sem serem violentos nem agressivos. Adoro essa leveza! Para mim, a arte deve provocar um sorriso, uma sensação de bem-estar. É também uma forma de contrariar o que se critica no grafite, frequentemente associado a uma poluição visual agressiva e reivindicativa. Quando eu pintava em terrenos baldios, minhas letras eram complexas e diferentes a cada intervenção; eu tinha espaço, tempo e me dirigia a um público entendedor. Com o passar dos anos, simplifiquei minha caligrafia – aliás, em linha com os códigos do grafite: reconhecimento e identificação. Nessas composições, onde as formas são fragmentadas, essas tonalidades se tornam um ponto de referência. Elas estruturam a leitura ao mesmo tempo em que suavizam o conjunto. Isso me permitiu trabalhar minhas letras sem tentar tornar tudo legível. As letras saem do quadro, como se tivessem sido arrancadas; às vezes, resta apenas a curva de uma letra, ecoando os rasgos. Cada um pode então se projetar, com a imaginação fazendo o resto.

Se você tivesse que resumir a sua abordagem…
Eu tento permanecer fiel ao grafite, ao mesmo tempo em que mostro que ele tem todo o seu lugar nas galerias. É isso que eu quero defender e compartilhar. Na minha primeira exposição em placas de metrô, muitos – inclusive eu – se perguntavam se aquilo iria durar. Hoje, várias décadas depois, ainda há um público: aqueles que me acompanham há muito tempo, mas também as novas gerações. O grafite está bem vivo e, através dele, fragmentos da história se contam… desde que se seja sincero. E acredito que um trabalho só toca os outros se você colocar um pouco de si mesmo nele.

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o Nasty: @the_art_of_nasty

Galeria Chenus Longhi
116 Bd Richard-Lenoir 75011 Paris
chenuslonghi.com
Instagram: @chenuslonghi

© Lansy Siessie – L’Imagerie