Mehdi Mlc: uma linguagem rica em sinais e significados

Fiel à autenticidade do grafite, Mehdi Mlc defende uma arte positiva, acessível e cheia de significado.

Formado no underground do grafite no final dos anos 1990, Mehdi Mlc desenvolveu uma abordagem exigente. Entre domínio técnico e saturação simbólica, ele tece um universo ao mesmo tempo rigoroso e exuberante, permeado por narrativas positivas. Em composições densas com vários níveis de leitura, onde cada elemento carrega um significado. Hibiscos, personagens, borboletas… formam um vocabulário visual que celebra a força da beleza mestiça, ao mesmo tempo em que questiona nossa relação com o vivo. Por trás dessa profusão, a mensagem permanece clara: fazer do grafite um veículo de emoções e ideias, e transformar uma energia bruta em força construtiva.

Você sempre desenhou, mas começou a fazer grafite em 1997. Que lembranças você guarda dos seus primeiros tempos?
Quando era criança, eu desenhava sem parar, muitas vezes com um simples lápis ou uma caneta Bic. O grafite veio depois. Comecei aos 11 ou 12 anos, cercado por grafiteiros mais velhos que me acolheram… Uma experiência incrível! No final dos anos 1990, o movimento hip-hop ainda era muito underground, complexo, quase inacessível, principalmente para um garoto. Essa imersão precoce num mundo clandestino marcou profundamente a minha trajetória. Mesmo que eu tenha tentado o breakdance ou o beatboxing, foi o grafite que eu escolhi, porque ele era uma extensão natural do meu gosto pelo desenho.

Esses anos ainda influenciam a tua prática?
Eles me marcaram tanto que continuo ligado à autenticidade do movimento. Os códigos, a linha de conduta e a ideologia daquela época continuam presentes em mim. Minha prática carrega esse traço através das ferramentas que uso – as dos meus primeiros tempos e a maneira como elas eram usadas naquela época. Tanto nos meus desenhos a caneta quanto nas minhas pinturas com spray, procuro sempre recriar o espírito cru do grafite.

Você escolheu o lettering. Por que essa escolha, se você já desenhava? Sempre
fui bom em desenho, mas me faltava criatividade – na escola, chegaram até a suspeitar que eu copiava [risos]. O grafite me fez evoluir, inserindo-me numa forma de competitividade positiva. O trabalho com letras me obrigou a criar minhas próprias formas – copiar um lettering já existente era impensável na época –, a afirmar minha identidade para impressionar os outros e a progredir sem parar. Isso alimentou minha criatividade, enquanto o desenho me deu uma base sólida para explorar mais amplamente a criação gráfica.

Como você passou do lettering para a figuração e a abstração?
Eu cresci em Rennes, uma cidade que na época era muito ativa na cena do grafite – chamavam-na de “pequena Paris”, de tão que atraía grafiteiros de outros lugares, ao mesmo tempo em que cultivava uma cena local forte e única. Meu trabalho se alimentou dessa diversidade – explorei os flops, o wild style… –, o que tornou minha abordagem do grafite bastante completa. E como eu desenhava paralelamente, passar do lettering para a figuração ou a abstração aconteceu naturalmente. Um dos fundamentos do hip-hop não é sempre se superar, surpreender, ampliar seus horizontes, sair dos padrões? Desde minhas primeiras exposições em 2004, eu já apresentava telas enraizadas no grafite – trabalho com letras e caligrafia – com fundos feitos em acrílico e pincel. Minha formação como pintor de letras também me abriu para outras técnicas – cenários, trompe-l’œil… – que enriqueceram minha prática. Essa transversalidade me permite hoje cruzar os registros, atingir um público mais amplo e oferecer uma leitura mais aberta do meu trabalho.

Mas dá pra reconhecer o teu jeito…
Espero… Acho que, além dos temas, quanto mais completo for o teu universo e mais marcante for a tua técnica, mais o teu trabalho ganha força e clareza.

Isso não é um pouco desconcertante para algumas pessoas?
Sem dúvida, mas na história da arte, os maiores artistas não exploraram diferentes estilos? O mais difícil é, sem dúvida, aprofundar cada um deles, pois é um trabalho sem fim. Assim, desenvolvo várias vertentes – o grafite, a história em quadrinhos, as cores superchamativas ao estilo Pop Art, os materiais, as texturas… Eu até criei dois totens: Los Narvalitos e Althéa. Essa abordagem exigente é apaixonante, mas exige um comprometimento considerável. Eu curto esse lado performático, herdado do grafite.

Conta-nos sobre esses dois totens?
Meu trabalho gira em torno de dois totens complementares. Os Narvalitos, personagens subversivos que são meio anjo, meio demônio, representam a dualidade emocional e intelectual que existe em cada um de nós. A aparência divertida deles me permite atrair um público amplo para o meu universo, desde crianças até adultos. Presentes nas paredes e nas minhas telas, eles criam uma ligação entre a rua e a galeria: quem os encontra no espaço público procura encontrá-los nas minhas obras. Althéa, nome latino do hibisco, é o mundo mágico e profundamente feminino no qual Los Narvalitos vivem. O hibisco é um símbolo da feminilidade ideal, inspirado na riqueza dos trópicos – a flora, a fauna, a mistura cultural –, e remete a Gaia, a deusa da Terra. Guiados pela ideia de que a beleza da mistura cultural é uma força, meus personagens vivem nesse mundo vegetal imaginário, reflexo de uma natureza bem real que hoje está sufocando. É a minha maneira de questionar nossa relação com a Terra e de transmitir uma mensagem ecológica em um universo imaginário aberto a todos.

Então, o teu trabalho oscila entre letras, personagens, flora, fauna… Isso contribui para uma narrativa mais envolvente?
As histórias vão-se acumulando, de fato, porque cada elemento tem um significado. O hibisco representa a mulher perfeita e cada uma de suas cores tem um significado. Também uso a borboleta – símbolo de metamorfose positiva, mas efêmera, assim como o grafite – ou a joaninha, que evoca a perseverança. Também presto atenção ao número de elementos. Mesmo na abstração, sou influenciado pelos ex-votos mexicanos repletos de simbolismo. Minhas narrativas trazem, na maioria das vezes, mensagens positivas, que quero que sejam livres de interpretação. Levo adiante, de propósito, o princípio da saturação visual, principalmente pela acumulação de elementos, para oferecer vários níveis de leitura. Essa densidade é constante no meu trabalho.

Se tivesses que definir o teu universo…
Eu diria que é mágico, uma forma de fugir da realidade, mas sempre com os pés no chão. É uma válvula de escape, tanto para mim quanto para quem vê. Há sempre uma história, uma reação ao que me rodeia, ao que vejo, ao que testemunho e que me toca profundamente. Algumas decisões políticas têm repercussões diretas em nossas vidas, especialmente no Oceano Índico, onde as aberrações são muitas. Um dos meus desenhos a caneta mostra, por exemplo, o rosto de uma mulher mestiça, com um turbante na cabeça e lágrimas nos olhos. Ele remete à crise em Mayotte, quando o Estado francês quis expulsar os sem-papéis – quase um terço da população – para as Comores, que se recusavam a acolhê-los, condenando assim muitos deles a uma morte certa por afogamento e deixando para trás crianças nascidas em território francês, agora órfãs. Quando você é mestiço e cresceu em um conjunto habitacional social, você se sensibiliza muito cedo para as injustiças. O meio do hip-hop, com sua cultura de contestação e de reivindicação social e política, só reforçou essa visão.

E, no entanto, o teu trabalho continua sendo positivo…
Tento transformar o meu grafite, que na época do vandalismo era uma agressão, um grito, um uivo – uma forma de escrita popular, carregada de mal-estar, sofrimento e raiva – em algo positivo. Sem excluir a reflexão, a ideia é transformar essa força bruta em energia construtiva. Mas continuo fiel à minha cultura e às minhas convicções: simplesmente encontrei uma maneira mais inteligente, mais madura, mais estratégica e, portanto, mais persuasiva de transmiti-las.

A tua prática se baseia numa pesquisa técnica muito aprofundada. Como é que a desenvolveste?
Para além do universo ou do estilo, dou muita importância ao domínio técnico. Por isso, tento levar as minhas ferramentas ao máximo, seja a caneta ou a lata de spray, continuando a usar as pontas básicas com as quais comecei no final dos anos 90. Minha intenção é sublimar essas ferramentas menosprezadas e raramente associadas à arte, para torná-las nobres. Isso me permite desenvolver uma técnica particular, em sintonia com o meu universo, sem perder a ligação com o grafite.

Você também pinta em outros suportes além da tela e do papel?
No meu trabalho, não me imponho limites: adoro explorar todos os tipos de suporte. Pinto muitos veículos, incluindo carros recém-saídos da fábrica. É um suporte que adoro, porque remete às origens do movimento – os grafites pintados em trens e vagões de metrô. Também pinto pranchas de surfe, parecidas com pranchas de skate, em vários formatos e com um resultado espetacular. Ver uma das tuas obras deslizando sobre uma onda é um verdadeiro prazer… Também já personalizei luminárias, roupas…

A tua visão do mundo mudou depois que te mudaste para a Ilha da Reunião?
Sim, sem dúvida. Cresci em um conjunto habitacional social, então viajar e depois me estabelecer na Ilha da Reunião foi um verdadeiro choque, mesmo que o contexto insular seja ao mesmo tempo enriquecedor e limitante na prática artística. Eu me inspirei em tudo: a natureza, a cultura, as tradições… Enquanto na França continental eu fui um dos primeiros a organizar workshops sobre o movimento hip-hop, minha chegada à Ilha da Reunião me confrontou com um deslocamento impressionante, que te faz reavaliar e te obriga a rever suas prioridades. Lá, conheci pessoas de origens muito humildes, mas dotadas de um conhecimento empírico impressionante – especialmente sobre plantas – e de uma autonomia rara, forjada pela necessidade de viver em contato direto com o ambiente. Isso me tocou profundamente.

Nesses 17 anos, você já viajou para outros lugares?
Viajei o máximo que pude. Fazia viagens de ida e volta regulares para a França continental para pintar, também fui para a Espanha, Croácia, Montenegro… No Oceano Índico, tive a oportunidade de visitar outras ilhas e pintar por lá… mesmo que seja muito complicado se locomover com trinta ou quarenta latas de tinta. É quase uma expedição: um verdadeiro trabalho de conquistador. Mas o grafite, a arte em geral, continua sendo uma luta, uma batalha. Faz parte do jogo.

Quais são os teus planos?
Depois da minha exposição na Villa Fleuri, na Ilha da Reunião, que termina no final de novembro, estou me preparando para voltar à França continental com novas exposições programadas em locais inusitados.

A não perder:
Exposição individual
Até 16 de novembro de 2025
Villa Fleurie
84 allée des Topazes – Bellepierre
97400 Saint-Denis, Reunião

Exposição permanente
ALC, Rua do
Pressoir, 28, Ilot 8, Local 3,
97434 Piton Saint-Leu

Mehdi Mlc: @mehdi.mlc