Lórem: uma linguagem com restrições

Na obra de Lórem, a arte não se impõe; ela simplesmente se revela! Seja na rua ou no espaço de exposição, seja em um objeto abandonado ou em uma tela, ela permanece acessível, compreensível e imediata.

Para Lórem, o contexto nunca é neutro: ele é uma condição. Seu vocabulário visual foi, assim, construído nas ruas, em contato com as paredes, os objetos abandonados, os transeuntes… Desde então, suas obras chamam a atenção sem intimidar e dialogam com todos os públicos, independentemente do local ou do suporte em que aparecem. Sua aparente simplicidade esconde, na verdade, um domínio do ritmo, do equilíbrio, da densidade e da repetição. Uma linguagem pictórica imediatamente identificável, legível, lúdica, em uma relação direta, sem filtros, sem hierarquia, quase crua, entre criação e apropriação.

Tu vens do grafite e da rua. Em que momento essa relação com a parede e com o gesto mudou para o objeto, para aquilo que a cidade rejeita?
Foi, antes de tudo, o preço alto das telas e a dificuldade de transportá-las pela cidade que me levou a me interessar pelos resíduos volumosos há uns dez anos. Esses objetos abandonados me pareciam perfeitos para eu praticar. Eu me divertia mais nessas tábuas velhas do que nas telas que, por ser muito perfeccionista, acabava jogando fora. No começo, eu não tinha absolutamente nenhuma intenção de valorizar o lixo; só procurava superfícies nas quais me expressar com o menor custo possível, bem perto de casa, com a liberdade de errar. Uma noite, ao deixar na calçada uma das placas em que tinha acabado de desenhar, alguém me perguntou se podia levá-la… Anos depois, repeti a experiência, desenhando em vários objetos de grande porte na mesma semana e deixando um cartaz com os dizeres “Sirva-se”. Pude ver muitas pessoas saindo com minhas obras debaixo do braço. Foi então que pensei que poderia expor nas casas das pessoas antes de expor em galerias.

A tua trajetória não é nem linear nem acadêmica. De que forma esse percurso “à margem” moldou a tua maneira de produzir, mas também de pensar a arte? Sempre
tive muita dificuldade com o sistema educacional; aliás, muitas vezes fui o último da turma. Eu tinha coisas demais para expressar para ficar simplesmente prestando atenção. Essa trajetória me permitiu aproveitar os diferentes cursos que fiz: design gráfico, serigrafia, animação, aulas noturnas na Escola de Belas Artes de Gennevilliers. Sempre tirei algo de cada uma delas. Isso me trouxe habilidades variadas e moldou a minha maneira de pensar sobre a arte. Não vejo a arte como algo reservado para uma elite ou para quem tem os melhores diplomas. Aliás, não se aprende a ser artista só “na escola”! Isso também passa por uma busca pessoal, indo buscar inspiração em todos os lugares.

Você trabalha com objetos abandonados. O que representa para você aquele momento em que um objeto deixa de ser útil para se tornar um suporte artístico?
Para mim, esse momento sempre tem algo de mágico. É uma espécie de ritual em que o objeto se afasta de sua função inicial. A magia de transformar uma tábua em quadro, um pedaço de madeira em obra de arte, não se desgasta com o tempo, ela se intensifica! Isso também se deve às primeiras pessoas que recolheram essas peças na rua e inspiraram outras a fazer o mesmo. Devo muito a elas e agradeço-lhes. Esses objetos em fim de vida que eu transformo tornam-se preciosos aos olhos daqueles que sabem ver neles algo mais.

Cada objeto volumoso carrega uma história invisível. É essa memória do objeto que guia a tua intervenção, ou, pelo contrário, procuras apagá-la? Não
procuro, de forma alguma, apagá-la. É algo importante que me guia, dependendo do objeto que encontro. No entanto, não faço arqueologia: não procuro conhecer a história desses objetos volumosos, mas sei que eles têm uma, e eu a respeito. Ao evitar que acabem no lixo, tenho a impressão de prolongar as memórias que eles carregam, graças à arte. Assim, todos continuam sua história em outro lugar, num novo espaço. Gosto da ideia de acrescentar minha parte, meu granel de sal.

A rua não é só o teu terreno de ação, ela define a própria forma do teu trabalho. De que jeito o contexto urbano influencia a tua linguagem visual?
Pra mim, a rua – meu habitat natural – é muito mais estimulante do que qualquer outro ambiente. Pra criar, preciso estar ao ar livre, onde a vida está a todo vapor. Ficar fechado nunca foi minha praia. Como busco minha inspiração principalmente na arte de rua, a rua é como um museu a céu aberto. Eu me inspiro em tudo o que acontece lá: o que vejo, o que ouço, o que sinto, os encontros, as interações… Pintar na frente de um público é super inspirador. Cada obra nasce de um momento específico, do qual ela guarda o rastro. As limitações também contam muito no meu trabalho. E a rua me obriga a lidar com o barulho, o desconforto, as superfícies… É isso também que me agrada!

O princípio do “sirva-se” implica que a obra te escapa muito rapidamente. Como você lida com essa perda?
Não vejo isso como uma perda, mas sim como uma partilha. Às vezes sinto uma pontada de saudade ao me separar de certas obras, porque é um pedaço de mim que vai embora, mas isso me traz, acima de tudo, a satisfação de saber que fiz alguém feliz. Não é fácil para um artista oferecer suas obras, seu trabalho, mas isso faz parte da minha essência. Para quebrar os códigos da arte e torná-la acessível até mesmo para pessoas que não têm a cultura ou as referências, escolhi oferecer o máximo do meu tempo e do meu trabalho. E é exatamente isso que me agrada: não é o dinheiro que permite obter minhas obras de rua, mas a determinação. Cada uma delas se torna uma espécie de “troféu” pelo qual é preciso se esforçar. Isso também mostra que uma obra pode falar a todos os públicos, desde que conte uma história de maneira simples e divertida.

Seu universo gráfico é imediatamente reconhecível. Como esse vocabulário pictórico foi construído?
Com o passar dos anos, com a prática e através de muitas influências: Keith Haring, Invader, Obey, Dubuffet, mas também a arte bruta, a arte de rua, a arte contemporânea, sem esquecer as séries de animação – Os Simpsons, Futurama, South Park, Os Griffin… Também tive a sorte de ser incentivado pela minha família. Hoje, sinto que encontrei o que procurei durante anos: um estilo tão identificável quanto o de Keith Haring, imediatamente reconhecível, simples na aparência e que fala com as pessoas.

Dá pra sentir uma tensão constante entre espontaneidade e composição estruturada. Como você lida com esse equilíbrio?
O minimalismo e a aparente simplicidade de certas obras são, na verdade, muito complexos. Levei um tempo pra entender e admitir isso. Acho que esse equilíbrio vem principalmente com a prática. Por trás de cada obra, há o trabalho de vários anos. As peças volumosas, em particular, são meu principal campo de aprendizado. A cada novo suporte, tenho a sensação de subir um degrau, como se ele contivesse a experiência de todos os já realizados. Quando traço meus traços, percebo que há algo quase matemático, geométrico. Eu calculo em tempo real para que cada motivo encontre seu lugar e contribua para o equilíbrio do conjunto. Levei muito tempo para chegar a esse ponto.

Há um rosto que aparece com frequência no teu trabalho. É uma figura autobiográfica, simbólica ou apenas um recurso artístico?
Eu diria que é simbólica. Esse rosto surgiu nos meus cadernos do ensino médio. No começo, ele era fechado, quase triste. Com o tempo, começou a sorrir, evoluindo junto comigo. A forma de coração dele se tornou, pra mim, uma maneira de falar de amor. Ele me representa, mas não só a mim. É meu parceiro, meu amigo, aquele que me ajuda a escrever a história de Lórem. De certa forma, ele é Lórem; eu sou simplesmente seu criador. Aos poucos, ele conquistou um lugar no coração de quem o encontra. Aliás, ele aparece nas paredes. É minha maneira de manter uma ligação direta com o grafite.

O District13 marca uma virada: suas obras saem da rua para um espaço de exposição organizado. Como você pensou nessa exposição sem trair o espírito inicial do seu trabalho?
Para mim, vender minhas obras sempre foi um objetivo. Não foi algo planejado, mas eu sabia que isso acabaria acontecendo. É, portanto, um prazer que não me impede de continuar sendo o artista que sou. Vender o próprio trabalho não significa “vender a alma”, mas simplesmente querer viver da própria paixão e reconhecer o tempo e a energia que isso exige. Tudo o que faço na rua não rende nenhuma remuneração. No entanto, preciso me sustentar para continuar me dedicando totalmente a isso.

No District13, a acumulação, a profusão de obras e objetos no espaço lembravam a densidade urbana. Para você, a cenografia foi uma extensão da rua ou uma releitura?
Mais uma extensão do ambiente em que minhas obras existem: elas podem estar na rua e acabar em apartamentos. Tentei contar uma história, daí a reconstituição do meu ateliê, da minha garagem… Ao contrário das galerias ou salões que privilegiam montagens minimalistas, eu vim com toda a minha bagunça. Era importante que o visitante mergulhasse no meu universo, vivo e lúdico.

Hoje, o teu trabalho já tem uma identidade bem definida. Como vês a evolução dele, mantendo-te fiel ao que define quem tu és?
O meu objetivo final? Que a minha arte viaje pelos quatro cantos do mundo, para dar ao maior número possível de pessoas a oportunidade de encontrar uma das minhas obras, não importa onde estejam, seja numa grande cidade ou no campo. O que é importante para mim? Deixar um rastro por onde passo, sem nunca parar de experimentar, e continuar a espalhar arte e amor.

Quais serão os próximos cenários de Lórem?
Sem dúvida a montanha, o mundo do esporte, murais no país do sol nascente… Toda a minha história se constrói por intuição. Eu planejo muito pouco, deixo a vida me guiar sem que isso atrapalhe minha vontade de voltar às ruas para trabalhar com lixo volumoso. Com a ajuda de um amigo, também estou me dedicando a escrever a história de Lórem. Gostaria de despertar a vontade, mesmo naqueles que não leem, de abrir um livro para acompanhar Lórem pelas ruas, à noite, em busca de lixo que se transformou em obras de arte. Haverá muitos encontros, imagens, arquivos, todo o meu universo visual e musical. Já estou procurando a editora certa.

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© Sébastien Ameye por Art Zone