Jace: seu Gouzou vai contra o óbvio

Jace deslocar, sugere, revela. Seu Gouzou nunca impõe: ele deslocar até tornar visível o que já não era. Na exposição “Cœur sensible”, esse trabalho se estende para que o amor recupere um papel ativo.

Por trás do humor do Gouzou, há uma vontade simples e obstinada: despertar a atenção, reabrir possibilidades onde tudo parece já decidido. Nada forçado, apenas o suficiente para abalar o óbvio. É nesse intervalo que o Gouzou age, por meio de um deslocamento sutil, de um leve desvio. Para Jace, esse gesto é fundamental: deslocar o olhar para revelar o que o hábito tornou invisível e trazer de volta à luz esses absurdos e desvios que acabamos por não ver mais. Na exposição “Cœur sensible”, diante de um mundo que se endurece e se fecha, o artista opta por colocar o amor de volta no centro, não como uma ideia ingênua, mas como uma necessidade. Através das obras apresentadas, o Gouzou se torna o terreno dessa exploração: amar, ainda, apesar de tudo, e ver até onde isso pode nos levar.

O Gouzou funciona como um revelador das absurdidades contemporâneas, oscilando entre o humor e a seriedade. Como você consegue manter esse equilíbrio entre esses dois registros há mais de 30 anos?
Essa maneira de pensar está profundamente enraizada em mim. Com o tempo, tornou-se totalmente natural. É ao mesmo tempo um mecanismo de proteção e uma forma de tomar distância diante de situações que às vezes são graves. Eu observo, analiso e depois transcrevo essas realidades com um toque de humor, o que me permite criar esse equilíbrio entre leveza e seriedade.

Você sempre faz intervenções no espaço público. Como o seu olhar sobre a rua, como espaço de criação e de recepção, evoluiu ao longo do tempo?
Com o tempo, a confiança e a evolução bastante positiva das mentalidades em relação às intervenções no espaço público, passei a me permitir ser mais ousado, principalmente fazendo intervenções durante o dia em locais movimentados. No começo, eu agia principalmente à noite, por razões óbvias de discrição. Paralelamente a essa prática ilegal, eu também atendia a encomendas para lojas e paredes públicas nos anos 1990 e no início dos anos 2000. Percebi então que as intervenções da polícia continuavam sendo bastante raras. Então pensei que poderia ocupar esses espaços ilegais da mesma forma, em plena luz do dia, como se fossem encomendas. Desde então, dou preferência a essa abordagem. Por outro lado, com o aumento do número de grafiteiros e artistas de rua, as superfícies em branco estão ficando cada vez mais raras. Mesmo quando não estou viajando, fico sempre de olho em novos espaços para ocupar.

«Cœur sensible» foi concebida como um percurso imersivo em três etapas. Como você concebeu essa progressão narrativa dentro do espaço?
Para esta nona exposição com a galeria Mathgoth, tive a sorte de ocupar o novo espaço deles, que é bem mais amplo do que a galeria intimista onde eu costumava expor. Isso me levou a trabalhar em outra escala e a repensar a maneira como ocupo o espaço. Concebi um percurso imersivo, em parte caótico, criando um universo no qual o visitante pode se movimentar, como já havia experimentado em exposições na Ilha da Reunião ou em Montauban em torno do meu trabalho sobre Chernobyl. Mas, desta vez, a progressão narrativa se destaca por um desfecho mais luminoso: a exposição permite sair com uma espécie de otimismo, impulsionado por uma mensagem forte sobre o amor.

A primeira parte traz um olhar crítico sobre um “mundo que vacila”. O que, hoje em dia, te parece necessário mostrar ou repensar na nossa percepção do real?
Trata-se, como sempre fiz, de lembrar que um outro olhar sobre a nossa sociedade não só é possível, mas necessário. Ao nos distanciarmos, mesmo que ligeiramente, tomamos consciência dos absurdos e dos desvios que nos cercam, muitas vezes invisíveis por força do hábito. Meu trabalho busca provocar esse despertar, despertar uma forma de espírito crítico e afirmar que sempre existem alternativas ao que nos é apresentado como inevitável.

Nesta primeira parte, você trabalhou com materiais recuperados do espaço urbano. O que a utilização desses materiais muda na percepção dessas obras?
Além da questão da reciclagem, o uso desses materiais permite reconectar diretamente o espectador a uma prática de campo, enraizada na rua. Isso lembra que meu trabalho nasce desses espaços. Um simples pedaço de madeira ou metal, inicialmente visto como lixo ou um objeto que só ocupa espaço, muda então de status. Ele se torna suporte e, depois, obra. Essa transformação questiona a maneira como olhamos para o que nos rodeia e o valor que atribuímos às coisas.

Você é um dos poucos artistas que foi à cidade fantasma de Prypiat para pintar 26 murais. O que motivou esse retorno a Chernobyl nesta exposição?
Esse projeto me perseguia há mais de vinte anos. Lembro-me muito claramente do dia do desastre, e depois da névoa de informações, dos medos e dos fantasmas que se seguiram. Com o tempo, tudo se diluiu, e eu precisava voltar a algo concreto, separar o real do mito. Eu também sabia que poucos artistas tinham conseguido ir até lá. Depois de várias tentativas, finalmente tive essa oportunidade em 2019: passar alguns dias no local, encontrar quem ainda trabalha lá e me confrontar diretamente com esse lugar. Lá, a gente se depara com uma beleza violenta, quase perturbadora. É essa tensão que eu queria trazer para a exposição. Comecei com uma seleção das muitas fotos que tirei no local – paralelamente às minhas intervenções. Depois, no estúdio, introduzi elementos perturbadores para transformar a cena, torná-la absurda, quase irreal, como se nada tivesse acontecido. Essas imagens oscilam então entre documentos, vestígios e construções plásticas: elas testemunham o real ao mesmo tempo em que o reinventam, deslocando-o.

A terceira parte gira em torno da questão do amor. Como esse tema acabou se tornando o foco da exposição?
Desde o início, o amor é um tema recorrente no meu trabalho, às vezes apresentado de forma ingênua ou simples, o que pode fazer com que minha obra pareça um pouco “boba” aos olhos de alguns. Mas continuo intimamente convencido de que essa noção tem um poder salvador. Essa escolha se impõe ainda mais hoje, quando conflitos eclodem por todo o mundo e nossa sociedade, na França como em outros lugares, parece se fechar em si mesma. O amor, nesse contexto, torna-se um ato de resistência, uma necessidade urgente de relembrar nossa humanidade.

Como o Gouzou é utilizado, nesta série, para abordar a questão do amor?
Através de cerca de trinta pinturas, coloco o Gouzou em cena para explorar o amor. Eu achava que, com o tempo, já tinha esgotado o assunto, mas percebo que esse tema continua sendo uma fonte infinita de inspiração. O Gouzou se torna, então, um veículo para refletir, questionar e encarnar essa emoção universal, com toda a sua complexidade e força.

Nesse tema, você apresenta cerca de quarenta telas do mesmo formato. Que papel a repetição desse formato desempenha na construção desse conjunto?
Nessa parte, o aspecto de “série” e quase museológico me interessava. Ao repetir o mesmo formato, eu queria que o público se concentrasse inteiramente no tema, o amor, em vez de na forma ou nas variações técnicas. A repetição cria uma intensidade e uma continuidade que reforçam a mensagem e a experiência imersiva.

Diante do que tá rolando no mundo, você ainda acha que o ser humano é capaz de “amar”, de compartilhar, de ser solidário, de ter bom senso?
Eu quero acreditar nisso; senão, pra que serve…

A não perder
: «Cœur sensible»
De 30 de maio a 4 de julho de 2026
Galeria Mathgoth – Espaço temporário
1 rue Alphonse Boudard 75013 Paris
mathgoth.com
Instagram: @galerie_mathgoth

Jace: lusineagouzou.fr
Instagram: @jaceticot

© Cortesia da galeria Mathgoth