Emyart’s: a sensibilidade figurativa cheia de nuances

Da rua ao ateliê, Emyart’s desenvolve uma prática pictórica em que o gesto, a cor e o olhar constroem uma linguagem sensível.

O trabalho de Emyart’s se constrói em um vaivém constante entre o enquadramento e o transbordamento. Herdeira de uma formação acadêmica exigente, ela vai, aos poucos, subvertendo seus códigos para abrir um campo de experimentação único. Tanto nos retratos quanto nas cenas, o olhar concentra as tensões, enquanto a cor age como uma força de deslocamento, alterando os contornos, perturbando a estabilidade da imagem e reconfigurando sua leitura. De série em série, Emyart’s desenvolve assim uma pesquisa plástica onde se cruzam rigor e abandono, técnica e instinto. Ao privilegiar a sugestão em vez da demonstração, a obra de Emyart’s dirige-se tanto à mente quanto ao coração.

Como você passou da joalheria para as artes plásticas?
Como designer de alta joalheria, eu quis abrir meu próprio negócio. Então, me mudei para um coletivo de artistas na Boulevard Poissonnière, em frente ao Grand Rex. Lá, eu ocupava um ateliê, e um espaço de exposição no térreo recebia eventos regularmente. Esse contexto me levou a adotar uma abordagem experimental, aplicando o princípio do funil: testar todas as técnicas, todos os processos… Encorajada por um amigo, comecei então a colar minhas primeiras peças na rua.

Por que você escolheu retratar principalmente a figura humana e, de forma mais ampla, os seres vivos?
Eu retrato a figura humana e, de forma mais ampla, os seres vivos em um registro figurativo, com uma atenção especial voltada para o olhar. Para mim, é nele que se concentra a capacidade de transmitir emoções, seja em um rosto humano ou animal. O olhar é um momento à parte no meu processo de trabalho. Quando desenho os olhos, fico quase em transe. Na rua, no estilo grafite, sempre começo por aí: é isso que dá presença imediata à imagem. No ateliê, ao contrário, construo o conjunto e termino pelo olhar.

Você costuma retratar mulheres. De onde vem essa recorrência?
Provavelmente porque sou minha primeira musa. Aliás, tenho a tendência de incorporar minhas próprias características no meu trabalho. E quando retrato uma figura masculina, tenho a tendência de torná-la mais feminina, mesmo que, para um trabalho encomendado, eu seja perfeitamente capaz de produzir um retrato fiel [risos].

Os personagens dos teus retratos ou das tuas cenas vêm da tua imaginação ou tens modelos?
Embora a inspiração possa vir de qualquer lugar – de viagens, da natureza, de encontros, de exposições… –, no que diz respeito aos personagens, eu me baseio em modelos, principalmente para as proporções. Podem ser desconhecidos que fotografo com o consentimento deles, ou pessoas próximas, para evitar ficar desenhando sempre o mesmo rosto. Depois, eu retrabalho essas imagens antes de começar, principalmente usando as ferramentas do Adobe. Meu objetivo não é reproduzir o modelo. Aliás, com a minha maneira de trabalhar com pastel a óleo, o resultado fica completamente diferente.

Seu trabalho se desenvolve em várias séries. Como elas surgiram na sua prática?
São diferentes linhas de criação que desenvolvo em paralelo. Elas me permitem estruturar meu trabalho e minha pesquisa – ligada à minha formação na École Boulle e à minha passagem pela alta joalheria –, ao mesmo tempo em que mantenho um lado excêntrico e instintivo. Ao experimentar, alguns temas foram surgindo de forma recorrente. “Chroniques du futur”, por exemplo, está ligado ao meu interesse pelas ciências – anatomia, astronomia – com uma dimensão mais especulativa, próxima da ficção científica. Nela, exploro formas híbridas, futuros possíveis… “Chroma”, por sua vez, reúne rostos construídos em torno do olhar, tratados de forma depurada sobre fundos muito coloridos. As figuras nunca são totalmente definidas, com a cor assumindo o protagonismo. Com “Voiles de couleur”, trabalho o drapeado, uma extensão do movimento, que associo a uma forma de liberdade interior. Em “Dreams”, exploro figuras híbridas entre humano e animal, brincando especialmente com a transparência para fundir as identidades. Essas diferentes linhas de criação me oferecem uma certa disciplina, ao mesmo tempo em que dão asas à minha imaginação. No entanto, não quero me limitar, e cada experiência me abre uma porta. Assim, mesmo que minha trajetória na joalheria tenha me treinado em volume, a anamorfose, por exemplo, foi um verdadeiro desafio técnico. Dominá-la me permitiu dar um salto, inclusive na minha prática bidimensional. E, há um ano, venho me voltando para cenas com vários personagens, para desenvolver jogos de olhar mais complexos, como no afresco realizado na Muralha de Saint-Raphaël em fevereiro passado.

O que você quer transmitir com essas cenas?
Elas traduzem ideias, sensações e conceitos bem universais – paz, amor, liberdade… – para que todo mundo possa se identificar. O que importa pra mim é tocar o público sem ofendê-lo. Acredito que as mensagens mais fortes devem ser transmitidas com sutileza. É nessa contenção que a obra marca as mentes. Como artista, esse poder implica uma responsabilidade. E quando nosso trabalho pode servir a certas causas e ressoa, isso é uma forma de consagração. Vou, aliás, dar continuidade a essa reflexão durante minha próxima residência no centro cultural de Gurgy, na Borgonha. Lá, vou trabalhar o tema “Além das paredes” para questionar a liberdade, as barreiras que a gente mesmo cria ou que a sociedade impõe, e a maneira de superá-las.

Por que escolhi o pastel a óleo?
No squat, comecei a desenhar em papel kraft com pastéis a óleo que tirei de uma caixa velha. Queria trabalhar rápido, em formatos grandes. Comecei a colá-los na rua. No dia em que um deles foi arrancado, retomei o desenho diretamente com pastel na parede para reconstruir a parte que faltava. Desde então, o pastel a óleo continuou sendo fundamental na minha prática, tanto ao ar livre quanto no ateliê. Mas não procuro me limitar a um único meio. Aliás, explorei outras técnicas – spray, acrílico, aerógrafo, guache… Todas me inspiram e se complementam. Às vezes, até as combino.

O que você gosta nesse meio?
Primeiro, a rapidez. O pastel a óleo não precisa de água nem de nenhuma preparação especial. Ele permite trabalhar rápido e viajar com pouca bagagem. Depois, a textura, a vibração, o efeito levemente pontilhado ou esboçado me atraem muito. Também me sinto ligada a ele de uma forma mais sensorial, principalmente por causa do seu cheiro suave. E, claro, aprecio seus pigmentos minerais combinados com um aglutinante oleoso, o que o torna um material natural muito agradável de se manusear.

Como a rua transformou a tua prática?
Para mim, a rua é o melhor campo de aprendizagem. Ela impõe um ritmo – em uma hora e meia, consigo fazer uma obra. Essa restrição me obrigou a ganhar eficiência, mas, acima de tudo, a afirmar uma prática inteiramente à mão livre, sem projeção do desenho, o que é essencial para mim. Quanto mais a gente pratica, mais a gente desenvolve a rapidez, a precisão, o senso de realismo… Aliás, eu desenho há trinta anos e ainda estou aprendendo! O pastel a óleo também muda a percepção do gesto. Quando usado com giz, ele costuma ser visto como menos agressivo, ao contrário do spray. Como não venho do grafite, essa diferença me permitiu me inscrever de outra forma no espaço público, desenvolvendo uma abordagem diferente, que defino como “Pastel Vandal”.

Quais são as limitações do pastel a óleo?
O pastel a óleo não é um meio opaco: não dá para preencher uma superfície de maneira uniforme, é preciso construir de outra forma. Essa limitação influencia diretamente a minha maneira de pintar. Por isso, trabalho muito com transparência, brincando com sombras e luzes. Além disso, o pastel não é muito preciso. Para obter um resultado equivalente tanto em formatos pequenos quanto grandes, uso a ponta do bastão e refaço alguns detalhes com tinta. O suporte também tem um papel importante. Em superfícies como o reboco, preciso adaptar minha técnica. Nesse caso, pinto com tinta acrílica, com a qual desenvolvi um “efeito pastel”.

A cor ocupa um lugar central no teu trabalho. Para ti, ela é uma ferramenta ou uma linguagem?
A cor está ligada à minha personalidade, à minha maneira de ver o mundo. Tenho um lado meio excêntrico, às vezes um pouco exagerado, e as cores me permitem expressar essa energia. Não é por acaso que me visto de vermelho para pintar na rua. Isso acentua minha presença e faz parte de uma encenação. As cores também são uma forma de traduzir emoções. Mesmo em momentos difíceis, escolho espontaneamente cores muito vivas por causa de sua extrema positividade. Portanto, não as uso como uma simples ferramenta, pois todas carregam uma intenção.

Como você escolhe suas cores?
A escolha é muito instintiva; sei, de forma bastante natural, como combinar as cores. Com a prática, a gente aprende o que funciona, o que cria tensão ou, ao contrário, harmonia. Por exemplo, em um degradê, não vou passar diretamente do amarelo para o azul, mas sim trabalhar as transições: do amarelo para o laranja, do laranja para o rosa e, depois, do rosa para o azul. Algumas cores, no entanto, aparecem com frequência no meu trabalho, principalmente o azul, o rosa e o laranja, que eu gosto especialmente de fazer dialogar.

Entre a rua e o ateliê, a tua abordagem é diferente?
A forma de trabalhar varia de acordo com o contexto. Na rua, o trabalho acontece no momento, com um gesto mais direto, mais espontâneo, às vezes mais cru, que eu encaro quase como uma missão. No ateliê, não me solto tanto e, às vezes, por querer fazer tudo certo demais, acabamos indo longe demais. Mas, além dessas diferenças, sempre coloco um pedaço de mim em cada peça, com a vontade de transmitir emoção. E isso costuma ser bem desgastante.

Quais são os teus planos?
Os próximos meses vão ser bem agitados. Vou estar em residência artística de 4 a 14 de maio no Street Art Park de Candes-Saint-Martin, onde vou fazer uma anamorfose numa parede. Em seguida, vou para o festival Urb’Art, em Argelès-sur-Mer. Com o tema da amizade, vou trabalhar numa série de quatro painéis de madeira instalados na praia e expostos até dezembro. Também vou participar da Jam JLM no Spot 13, no dia 30 de maio, e depois do festival Arkédi’Art, nos dias 13 e 14 de junho, em Turckheim. Por fim, no âmbito da 8ª edição do Festival das Artes de Rua da has’Art! da Comunidade Urbana Paris – Vale do Marne, de 26 de junho a 4 de julho, vou percorrer de bicicleta os doze municípios da região – Chelles, Pontault-Combault, Champs-sur-Marne, Torcy, Roissy-en-Brie, Noisiel, Lognes, Vaires-sur-Marne, Émerainville, Courtry, Brou-sur-Chantereine e Croissy-Beaubourg – para realizar doze pinturas ao vivo, a uma ou duas por dia, em painéis de madeira de dois metros por dois. Cada cidade escolheu uma paleta de três cores, em conexão com a minha série ‘Chroma’. Vou trabalhar principalmente com rostos femininos, sem buscar uma identificação direta. O conjunto será então exposto durante um mês no centro cultural de Pontault-Combault, antes de ser distribuído pelo espaço público dos diferentes municípios. É um projeto que eu queria desenvolver há muito tempo, pois ele une duas das minhas paixões e articula várias dimensões, principalmente a relação com o território e uma abordagem ecológica, ligada à bicicleta e ao pastel a óleo.

Como você vê a evolução do seu trabalho?
Minha formação é bem acadêmica, bem estruturada. Aprendi muito com ela, mas hoje preciso seguir o caminho inverso, me afastando desses códigos para recuperar mais liberdade no gesto, soltar um pouco e ir em direção a algo mais instintivo… talvez até mesmo para uma maior abstração, deixando-me guiar apenas pela cor e pelos degradês.

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