Agrume, un toque de acidez refrescante

Este artista callejero de Lyon nos sumerge en su mundo, a la vez onírico
y arraigado en la realidad, que nos invita a reflexionar sobre nuestro lugar en el universo, nuestra relación con el tiempo y la naturaleza, la mentira y el misterio.

Agrume: agrume-art.com
Instagram: @agrume_

Desde su residencia artística en Rillieux-la-Pape en 2016, dentro del proyecto Horizons Croisés, Alban Rotival, que cumplirá treinta años el año que viene, ha ido labrándose un camino. Este artista, que se define a sí mismo como multidisciplinar, ha encadenado exposiciones individuales en galerías e intervenciones en el espacio público, imponiendo con sutileza la atmósfera tan particular de sus obras. Creaciones en las que el personaje —a menudo él mismo— no se pone en primer plano, sino que se funde con el entorno urbano y se esconde detrás de flores, pájaros o mariposas.

¿Por qué pasaste de la ilustración al arte callejero?
La ilustración fue la primera forma de expresión plástica que descubrí, sin duda la más accesible: bastaba con un bolígrafo y una hoja de papel. Más tarde, al conocer ciudades como Lyon o París, descubrí la pintura, el collage y los mosaicos que salpican algunos barrios. El arte instalado en el espacio público me pareció una forma evidente de ampliar mi práctica artística. Me permitía trabajar con otros formatos y otras técnicas. Era la forma de salir de un trabajo tímido y solitario, y de ofrecer al transeúnte una imagen pintada en toda su diversidad. Hacer público mi trabajo, en cierto modo, expresarme de forma visual y destacar la importancia de tal o cual cosa.

¿Sigues utilizando el collage cuando trabajas en exteriores?
No exclusivamente. Trabajo con pintura y el soporte se define por sí mismo, según la esencia del proyecto. Pero el papel es un soporte que evoluciona y absorbe las huellas del tiempo y del entorno que lo rodea hasta desvanecerse y no dejar rastro. Es una forma de expresión efímera. Por eso me gusta comparar el collage con una intervención en el espacio público. El collage crea un momento, una escena. Transmite una emoción, resalta algo esencial que quiero expresar en el instante en que lo imagino y lo pinto. Permite un trabajo de pintura en el taller tan logrado como se desee. Se transporta fácilmente y se coloca rápido, sin importar el contexto. Así que la mayoría de las veces uso el collage para intervenciones totalmente informales, gratuitas y con un enfoque personal. Por el contrario, el mural se realiza en un marco oficial o en un festival.

Acabas de participar en el festival Urban Week en La Défense. ¿Es diferente trabajar al aire libre en un marco oficial?
Sí. Hice un mural y un recorrido de collages por los alrededores de la plaza de La Défense. En cuanto a los collages, obviamente es diferente. El marco oficial es más cómodo y te da seguridad, lo cual, en algunos aspectos, es agradable. Por otro lado, creo que un marco oficial reduce las posibilidades y pone límites a lo que se puede expresar y representar o no. Los trabajos preparatorios y las diferentes opiniones sobre el trabajo futuro sirven para validar el proyecto.

Tu enfoque artístico es multidisciplinar (dibujo, pintura, collage, escritura). ¿Cómo concilias estos diferentes enfoques?
Creo que donde consigo que todas estas formas de trabajar convivan es en mi investigación. Dibujo, hago bocetos, escribo frases, anoto cosas que me llaman la atención. Investigo y lleno cuadernos. Intento agotar mis ideas plasmándolas en el papel y luego las selecciono para centrarme en lo que me parece interesante trabajar y importante mostrar.

¿Cómo ha evolucionado tu trabajo con el tiempo?
Al mismo tiempo que mi aprendizaje técnico y «filosófico». Empecé dibujando con un estilo caricaturesco y luego quise ampliar mi vocabulario artístico representando personajes humanos a los que les ocultaba el rostro con máscaras, por razones tanto simbólicas como técnicas. Poco a poco, la máscara se fue cayendo y hoy me siento técnicamente cómodo para representar más cosas. Los temas se han ido afinando al mismo tiempo que mis conocimientos y mi sensibilidad. Hoy en día, el aprendizaje de la vida de los ecosistemas y de quienes los componen me abre un camino más.

Tu trabajo en el estudio se centra ahora en la pintura al óleo. Te has «atrevido» a pasar a una técnica clásica…
Llevo un año aprendiendo y trabajando mis lienzos al óleo, sin dejar de lado el acrílico, que sigue teniendo sus propias características. Esta técnica ofrece un montón de posibilidades que me gustan mucho. La transparencia de la pintura y el juego de la luz que la atraviesa aportan diferentes ambientes.

¿Por qué te incluyes a menudo en tus obras?
Empecé cuando aprendí a representar personajes. Hacerme fotos era una de las formas más sencillas de plasmar las escenas que tenía en mente. Poco a poco, adquirí este hábito y la coherencia del autorretrato se fue afianzando en mis composiciones y representaciones. Se legitimó por el hecho de que trato de manera universal sentimientos que son personales para mí. Pero, poco a poco, tiendo a ampliar mis modelos.

Tus personajes suelen estar parcialmente ocultos e incluso has titulado una de tus series «Discreción». ¿Es eso importante para ti?
Sí. La discreción me ha acompañado siempre, tanto en mi vida personal como profesional. Por eso está presente de forma natural en mi trabajo. Es un concepto que me parece muy rico. Va en contra de ese «estruendo humano» que suele dominar, dañar y abrumar lo que le rodea. En muchas escenas, represento a uno o varios personajes que tienden a la discreción con el entorno que los rodea mediante diferentes procedimientos de acciones o apariencias, con el objetivo de vivir y dejar sentir su presencia en el mundo sin dejar una huella indeleble, de intentar existir en el mismo plano que cualquier otro ser vivo, sea cual sea. Esto se relaciona con ciertas problemáticas actuales.

Pintas por «proyectos». ¿Por qué lo haces así?
Para concentrarme y organizar mi trabajo. Imagino mis creaciones de forma bastante espontánea y sin reglas en los bocetos, y las ideas surgen al azar. Después, las selecciono e intento trabajar por temas recurrentes.

Has dedicado una serie a Ícaro. ¿Es un tema que te dice algo?
Este mito encierra muchos aspectos que me llegan. Me gusta su estética, esa conexión con la condición de las aves. La presencia de las alas, el disfraz, la belleza del impulso, del vuelo y lo trágico de la caída. Aprecio especialmente este mito porque tiene una actualidad sorprendente. Me parece una bonita metáfora de nuestra sociedad actual, de su voluntad de crecimiento infinito en un mundo de recursos limitados. Una caída que se avecina mientras, a pesar de estar advertidos, nos acercamos cada vez más al sol.

La naturaleza —flores, pájaros, mariposas— está muy presente en tu obra. ¿Hay algún mensaje detrás?
Son elementos vivos. Estéticamente, me interesan por lo que son y por lo que simbolizan. Todos tienen en común que transmiten fuerza y fragilidad: fuerza por sus movimientos y su capacidad de adaptación, sus migraciones, su vitalidad; fragilidad por su tamaño y su peso frente al mundo, su vulnerabilidad ante las actividades y la ignorancia de los humanos. Al igual que una vanidad, los tres abordan la temporalidad de las cosas. La vida de una mariposa y de una flor, el paso de un pájaro me permiten jugar con la idea del instante.

A menudo se habla de un universo onírico para referirse a tu trabajo. Sin embargo, parece muy arraigado en la realidad…
Creo que ambos aspectos son importantes, se responden y se complementan. Mi trabajo está totalmente arraigado en la realidad, la explora, y cada una de las escenas que represento se inscribe en ella. Se acerca a lo onírico porque lo que plasmo intenta escribir una historia y un imaginario nuevo gracias a la combinación de elementos narrativos. Lo onírico queda así inscrito en la realidad.

Tu obra nos recuerda a Magritte. ¿Es él una de tus fuentes de inspiración? No
tengo ninguna referencia concreta; cada artista me inspira por lo que cuenta o por la forma en que lo hace. Magritte lo es por su forma de componer y de dar sentido a sus imágenes gracias a la combinación de elementos. Lo que más me inspira sigue siendo lo que veo, lo que leo y lo que observo. Mi trabajo hoy en día se nutre más bien de un cisne nadando, de la fragante floración de una madreselva silvestre o de la caída de las hojas escarlatas de un fustet en otoño. Lo que me interesa entonces es cómo voy a poder integrarlos en mi vocabulario artístico.

¿Qué planes tienes?
Una exposición en París en 2023. También tengo algunos proyectos de murales más formales que me gustaría seguir desarrollando en paralelo, sobre todo intervenir en entornos naturales de la forma más respetuosa posible. Desmontar lo que hoy en día constituye el arte urbano para llegar a su práctica más ancestral posible, volver a un modo de expresión sencillo, dibujar sobre la roca con carbón vegetal.