Mehdi Mlc: un lenguaje lleno de signos y significados

Fiel a la autenticidad del graffiti, Mehdi Mlc defiende un arte positivo, accesible y lleno de significado.

Formado en el mundo underground del graffiti a finales de los años 90, Mehdi Mlc ha desarrollado un estilo muy exigente. Entre el dominio técnico y la saturación simbólica, teje un universo a la vez riguroso y exuberante, impregnado de historias positivas. En composiciones densas con múltiples niveles de lectura, donde cada elemento tiene su significado. Hibiscos, personajes, mariposas… forman un vocabulario visual que celebra la fuerza de la belleza mestiza al tiempo que cuestiona nuestra relación con lo vivo. Detrás de toda esta riqueza, el mensaje sigue siendo claro: hacer del graffiti un vehículo de emociones e ideas, y transformar una energía bruta en una fuerza constructiva.

Siempre has dibujado, pero te iniciaste en el graffiti en 1997. ¿Qué recuerdos guardas de tus comienzos?
De niño, dibujaba sin parar, a menudo con un simple lápiz o un bolígrafo Bic. El graffiti vino después. Empecé a los 11 o 12 años, rodeado de grafiteros mayores que me acogieron bajo su protección… ¡Una experiencia increíble! A finales de los años 90, el movimiento hip-hop todavía era muy underground, complejo, casi inaccesible, sobre todo para un chaval. Esa inmersión temprana en un mundo clandestino marcó mi trayectoria de forma duradera. Aunque probé el breakdance o el beatboxing, elegí el graffiti, porque era la prolongación natural de mi gusto por el dibujo.

¿Siguen esos años marcando tu forma de trabajar?
Me han influido tanto que sigo muy ligado a la autenticidad del movimiento. Los códigos, la forma de actuar y la ideología de aquella época siguen vivas en mí. Mi trabajo lleva esa huella a través de las herramientas que uso: las de mis comienzos y la forma en que se usaban entonces. Tanto en mis dibujos a bolígrafo como en mis pinturas con spray, siempre busco plasmar el espíritu crudo del graffiti.

Te has decantado por el lettering. ¿Por qué esta elección si ya dibujabas?
Siempre se me dio bien dibujar, pero me faltaba creatividad; en el colegio incluso sospechaban que copiaba [risas]. El graffiti me hizo evolucionar al sumergirme en una forma de competitividad positiva. El trabajo con las letras me obligó a crear mis propias formas —copiar un lettering ya existente era impensable en aquella época—, a afirmar mi identidad para impresionar a los demás y a progresar sin cesar. Eso alimentó mi creatividad, mientras que el dibujo me proporcionó una base sólida para explorar más ampliamente el diseño gráfico.

¿Cómo pasaste del lettering a la figuración y a la abstracción?
Crecí en Rennes, una ciudad que por aquel entonces tenía una escena de grafitis muy activa; la llamaban el «pequeño París» porque atraía a grafiteros de todas partes, al tiempo que cultivaba una escena local fuerte y singular. Mi trabajo se nutrió de esa diversidad —exploré los flops, el wild style…—, lo que hizo que mi enfoque del graffiti fuera bastante completo. Y como dibujaba al mismo tiempo, pasar del lettering a la figuración o a la abstracción fue algo natural. ¿No es uno de los fundamentos del hip-hop superarse siempre, sorprender, ampliar horizontes, salirse de los marcos? Ya desde mis primeras exposiciones en 2004, presentaba lienzos arraigados en el registro del graffiti —trabajo de la letra y la caligrafía— con fondos realizados en acrílico y a pincel. Mi formación como pintor de letras también me abrió a otras técnicas —decoración, trampantojo…— que han enriquecido mi práctica. Esta transversalidad me permite hoy cruzar registros, llegar a un público más amplio y ofrecer una lectura más abierta de mi trabajo.

Aun así, se nota tu estilo…
Espero… Creo que, más allá de los temas, cuanto más completo sea tu universo y más definida esté tu técnica personal, más fuerza y claridad ganará tu trabajo.

¿No resulta desconcertante para algunos?
Sin duda, pero en la historia del arte, ¿no han explorado los grandes artistas diferentes registros? Lo más difícil es, sin duda, profundizar en cada uno de ellos, porque es un trabajo sin fin. Así que estoy desarrollando varios campos: el graffiti, el cómic, los colores superllamativos al estilo del Pop Art, los materiales, las texturas… Incluso he creado dos tótems: Los Narvalitos y Althéa. Este enfoque tan exigente es apasionante, pero requiere un compromiso considerable. Me encanta ese lado performativo, heredado del graffiti.

¿Nos hablas de esos dos tótems?
Mi trabajo gira en torno a dos tótems que se complementan. Los Narvalitos, unos personajes subversivos a medio camino entre el ángel y el demonio, encarnan la dualidad emocional e intelectual que todos llevamos dentro. Su aspecto lúdico me permite atraer a un público amplio a mi universo, desde niños hasta adultos. Presentes tanto en las paredes como en mis lienzos, crean un vínculo entre la calle y la galería: quienes se los encuentran en el espacio público buscan encontrarlos de nuevo en mis obras. Althéa, nombre latino del hibisco, es el mundo mágico y profundamente femenino en el que se mueven Los Narvalitos. El hibisco es un símbolo de la feminidad ideal inspirado en la riqueza de los trópicos —la flora, la fauna, el mestizaje— y remite a Gaia, diosa de la Tierra. Impulsados por la idea de que la belleza mestiza es una fuerza, mis personajes evolucionan en este mundo vegetal imaginario, reflejo de una naturaleza muy real que hoy se está asfixiando. Es mi forma de cuestionar nuestra relación con la Tierra y de transmitir un mensaje ecológico a través de un imaginario abierto a todos.

Tu trabajo se mueve, pues, entre letras, personajes, flora, fauna… ¿Es para crear una historia más narrativa?
Las historias se van acumulando, de hecho, porque cada elemento tiene un significado. El hibisco encarna a la mujer perfecta y cada uno de sus colores tiene un significado. También utilizo la mariposa —símbolo de metamorfosis positiva pero efímera, a imagen del graffiti— o la mariquita, que evoca la perseverancia. También presto atención al número de elementos. Incluso en la abstracción, me influyen los exvotos mexicanos, cargados de simbolismo. Mis historias suelen transmitir mensajes positivos, que quiero que sean libres de interpretación. Empujo deliberadamente el principio de saturación visual, sobre todo mediante la acumulación de elementos, para ofrecer varios niveles de lectura. Esta densidad es constante en mi trabajo.

Si tuvieras que definir tu universo…
Lo describiría como mágico, para evadirse de la realidad, pero siempre anclado en lo real. Es una vía de escape, tanto para mí como para los espectadores. Siempre hay una historia, una reacción a lo que me rodea, a lo que veo, a lo que presencio y que me impacta profundamente. Ciertas decisiones políticas tienen repercusiones directas en nuestras vidas, especialmente en el océano Índico, donde abundan las aberraciones. Uno de mis dibujos a pluma muestra así el rostro de una mujer mestiza, con un turbante en la cabeza y lágrimas en los ojos. Evoca la crisis de Mayotte, cuando el Estado francés quiso expulsar a los indocumentados —casi un tercio de la población— hacia las Comoras, que se negaban a acogerlos, condenando así a muchos de ellos a una muerte segura por ahogamiento y dejando atrás a niños nacidos en territorio francés que quedaron huérfanos. Cuando eres mestizo y has crecido en un barrio de viviendas sociales, te sensibilizas muy pronto ante las injusticias. El ambiente del hip-hop, con su cultura de la contestación y la reivindicación social y política, no ha hecho más que reforzar esa visión.

Y, sin embargo, tu trabajo sigue siendo positivo…
Intento transformar mi grafiti, que en la época del vandalismo era una agresión, un grito, un alarido —una forma de escritura popular, cargada de malestar, sufrimiento y rabia— en algo positivo. Sin dejar de lado la reflexión, la idea es transformar esa fuerza bruta en energía constructiva. Pero sigo fiel a mi cultura y a mis convicciones: simplemente he encontrado una forma más inteligente, más madura, más estratégica y, por lo tanto, más persuasiva de transmitirlas.

Tu trabajo se basa en una investigación técnica muy exhaustiva. ¿Cómo la has desarrollado?
Más allá del universo o del estilo, me enorgullezco de mi dominio técnico. Por eso intento sacar el máximo partido a mis herramientas, ya sea el rotulador o el spray, y sigo usando las puntas básicas con las que empecé a finales de los años 90. Mi intención es sublimar estas herramientas menospreciadas y que rara vez se asocian con el arte, para dotarlas de nobleza. Esto me permite desarrollar una técnica particular, en consonancia con mi universo, sin dejar de estar vinculado al graffiti.

¿También pintas sobre otros soportes además del lienzo y el papel?
En mi trabajo no me pongo límites: me encanta explorar todo tipo de soportes. Pinto muchos vehículos, incluso coches recién salidos de fábrica. Es un soporte que me encanta, porque me recuerda los orígenes del movimiento: los grafitis pintados en trenes y vagones de metro. También pinto tablas de surf, parecidas a las de skate, en distintos tamaños y con un resultado espectacular. Ver una de tus obras deslizarse sobre una ola es un auténtico placer… También he personalizado lámparas, ropa…

¿Ha cambiado tu forma de ver el mundo desde que te instalaste en La Reunión?
Sí, sin duda. Crecí en un barrio de viviendas sociales, así que viajar y luego instalarme en La Reunión fue todo un golpe, aunque el contexto insular resulta a la vez enriquecedor y limitante para la práctica artística. Me he nutrido de todo: la naturaleza, la cultura, las tradiciones… Mientras que en Francia fui uno de los primeros en organizar talleres sobre el movimiento hip-hop, mi llegada a La Reunión me enfrentó a un cambio radical, que te hace replantearte las cosas y te obliga a revisar tus prioridades. Allí conocí a gente de entornos muy humildes, pero con unos conocimientos prácticos impresionantes —sobre todo sobre las plantas— y una autonomía poco común, forjada por la necesidad de vivir en contacto directo con su entorno. Eso me conmovió profundamente.

Durante estos 17 años, ¿has viajado a otros sitios?
He viajado todo lo que he podido. Iba y venía regularmente a Francia para pintar, y también he estado en España, Croacia, Montenegro… En el océano Índico, tuve la oportunidad de visitar otras islas y pintar allí… aunque es muy complicado desplazarse con treinta o cuarenta botes de spray. Es casi como una expedición: un auténtico trabajo de conquistador. Pero el graffiti, el arte en general, sigue siendo una lucha, una batalla. Es parte del juego.

¿Qué planes tienes?
Después de mi exposición en la Villa Fleuri, en La Reunión, que termina a finales de noviembre, estoy preparando mi vuelta a Francia con nuevas exposiciones previstas en lugares inesperados.

No te lo pierdas: Exposición

individual Hasta el 16 de noviembre de 2025
Villa Fleurie,
84 allée des Topazes – Bellepierre
97400 Saint-Denis, La Reunión

Exposición permanente
ALC,
28 rue du Pressoir, Ilot 8, Local 3,
97434 Piton Saint-Leu

Mehdi Mlc: @mehdi.mlc