Flog: ¡un arte que no oculta nada!

A la vez testigos y protagonistas, los personajes de Flog, encarnación de un estado, una constatación, un pensamiento, una emoción… llaman la atención, en primer lugar, por su delicada transparencia teñida de ondas de color, invitando a cada uno a distinguir entre apariencia e interioridad, y luego por la intención narrativa que resaltan. Una invitación conmovedora, generosa y bondadosa.

Flog: flog-artwork.com
Instagram: @flogartwork

Aunque las obras de Flog llaman la atención de inmediato por su aparente fragilidad impregnada de poesía, todas nos invitan a cambiar nuestra perspectiva. Sublimando la simplicidad, Flog extrae la esencia más allá de las apariencias con gran sutileza. Basándose en personajes sin género, transparentes y que se llenan de color, en situaciones donde se traslucen reflexiones, efectos e incluso consecuencias, y en detalles relevantes, sus lienzos, manifestaciones fragmentarias de lo real, nos sumergen en una experiencia existencialista llena de ligereza y frescura. La obra de Flog se parece a él: delicada pero firme, poética pero lúcida, suave pero cáustica, sensible pero sutil… Nos toca a nosotros saber leer entre líneas. Porque a través de sus relatos pictóricos de gran humanidad, Flog triunfa donde muchos fracasan: nos permite ver y comprender la esencia colorida de cada ser humano, lo que hace de cada uno de nosotros un ser único, fuerte y frágil a la vez. ¡Toda una hazaña!

¿Cuándo decidiste pasar del diseño gráfico y la ilustración a una trayectoria puramente artística?
Esa decisión surgió por sí sola, de forma muy natural, ya que me propusieron varios proyectos, entre ellos pintar en señales de tráfico para una exposición local. Por primera vez, me encontré en la creación artística, con un enfoque sincero, sin necesidad de artificios ni documentación. De hecho, fue en esa ocasión cuando apareció mi personaje, un personaje sentado sobre un fondo gris, pero muy colorido y muy expresivo. Enseguida sentí que iba por el buen camino, como me confirmaron tanto mi entorno como un galerista que, como le había encantado mi trabajo, me propuso exponerlo.

¿Tenías ganas de alejarte del diseño gráfico y la ilustración?
Como diseñador gráfico e ilustrador, me veía inevitablemente sometido a restricciones que limitaban mi libertad de expresión. Por eso me embarqué en un proyecto puramente artístico para encontrar esa libertad creativa, sin pensar ni por un momento que una faceta fuera a prevalecer sobre la otra.

¿Cómo se impuso tu estilo artístico con este personaje?
El personaje no se impuso… sino que refleja mi estado de ánimo de aquella época, las emociones que me movían entonces. Quería representar algo puro y frágil… y al final surgió este personaje. Es difícil saber realmente de dónde viene, ya que simplemente apareció. Y, aunque a menudo hay un lado autobiográfico en lo que represento, sobre todo en cuanto a las situaciones, los espectadores pueden identificarse con cada uno de los personajes, ya que no tienen género, y hacerlos suyos.

¿Por qué elegiste la transparencia para representar el envoltorio físico del ser humano?
En primer lugar, para evocar su fragilidad, algo que todos sentimos a veces, entre la fuerza y la debilidad. Después, porque para mí la transparencia simboliza la sinceridad. Estos personajes transparentes son, por tanto, una invitación a ser sincero, transparente contigo mismo —quién eres, qué quieres…—, pero también con los demás.

¿Por qué se llena de colores esa transparencia?
El personaje se nutre de colores en oleadas, del mismo modo que el ser humano se va llenando a lo largo de su vida de emociones, sentimientos y sensaciones, pero también de experiencias, conocimientos, recuerdos y valores… que hacen de cada uno un ser único. Los colores simbolizan así lo que cada uno lleva dentro, y la transparencia deja ver esas «capas» sucesivas. Sin embargo, al igual que el ser humano, en quien siempre hay una carencia, las oleadas de colores no llenan por completo al personaje. Una evocación del lleno y del vacío que cada uno de nosotros puede sentir. Así, aunque el personaje se parezca bastante a lo que soy, es al mismo tiempo el espectador, no solo porque no tiene género, sino también porque cada uno es libre de interpretar cada color en función de lo que le evoca. Y esta interpretación difiere, evidentemente, según las personas.

Dicen que tus personajes no tienen género, pero yo veo sobre todo hombres, y no mujeres, aunque también niños…
Para mí, no tienen género. No tengo ninguna intención de atribuirles un sexo o una edad. Pero entiendo que, gráficamente, la sensación de que no tienen género quizá no se transmita del todo bien… Espero que eso vaya mejorando con el tiempo [risas]. De hecho, he hecho bastantes bocetos para feminizar a algunos personajes sin acabar de convencerme. Me alejaba demasiado tanto del personaje original como de lo que quería expresar. Quizás a través de los colores se pueda percibir un lado femenino o masculino, un niño o un adulto… según lo que cada uno sienta.

¿Cómo eliges las situaciones en las que colocas a tus personajes?
Las situaciones surgen en el momento de dibujar, según la emoción que me mueve, el momento que estoy viviendo, cómo me siento ese día, un recuerdo… siempre con un toque poético. En algunas obras hay mucha poesía; en otras, un poco menos. Todas las situaciones que dibujo surgen así, primero como un destello en mi mente. Y si el dibujo no queda bien, lo dejo madurar. Por ejemplo, la nube y la lluvia de Rain es una idea que tengo en la cabeza desde hace mucho tiempo, pero que hasta entonces no había conseguido dibujar correctamente. De hecho, tengo muchos bocetos de situaciones a la espera…

¿Detrás de la aparente ligereza de tus obras y de la poesía que les pones, hay a veces un mensaje contundente, y otras veces un tono más sarcástico?
Efectivamente, mi intención es no limitarme solo a lo poético, sino «pinchar» sin dejar de ser ligero y sencillo, según la emoción que transmita. ¿No está precisamente la belleza del arte en esa libertad de poder expresarse? Sin embargo, no quiero caer en una especie de activismo oscuro en el que no encajo en absoluto, aunque aprecio algunos trabajos. Creo que los mensajes son más accesibles con un trabajo muy colorido y llegan mejor al espectador.

¿Cuál es tu proceso creativo?
El boceto es el momento más espontáneo y sincero de la creación, así que cuando lo plasmo en el lienzo, intento no retocarlo demasiado. Cuando el dibujo se retoca en exceso, se queda rígido y pierde el movimiento original. Luego, como muchos, pinto desde el fondo hacia el primer plano, usando un poco de todo: rotuladores Posca, plantillas, spray, aerógrafo, acrílico… ¡Total libertad!

¿Es el mismo proceso cuando pintas en las paredes?
A veces he pintado con rotulador Posca en paredes pequeñas, pero la mayoría de las veces uso spray y pincel para conseguir un acabado más delicado, sobre todo en los detalles. De hecho, los chicos me dicen a menudo que me calme, que es una pared y no un lienzo [risas].

Aunque dicen que te inspiras en el arte urbano, el pop art y el «superflat», entre otros, eso no se refleja en tus obras…
Cuanto más avanzo en mi creación, más intento desprenderme de todas mis fuentes de inspiración. Hoy en día, ya no sigo a los artistas a los que seguía hasta ahora, para no interferir en mi trabajo, que debe seguir siendo sincero y reflejar lo que yo quiero decir y no lo que otros puedan decir. ¡Creo que así es como realmente puedo llegar a la gente!

¿Ya sabes cómo quieres que evolucione tu trabajo? Todavía
no, sobre todo porque, como en la vida, puede pasar cualquier cosa. Por ahora, técnicamente, es trabajando y haciendo muchos dibujos como consigo captar mejor las formas, sobre todo las calaveras y los pies, por ejemplo, crear mejores luces y sombras, y hacer que el personaje evolucione… Una evolución suave. Así, en cada cuadro, me centro en un nuevo detalle que luego voy a reutilizar y que hace que mi trabajo evolucione… aunque soy muy crítico con lo que hago [risas]. De hecho, a veces tomo mal las decisiones… Varios proyectos, sobre todo las esculturas, deberían hacerme evolucionar más, ya que modelar el personaje solo puede ser beneficioso para mi pintura.

¿Cuáles son tus proyectos
? En octubre voy a pintar una fachada de 15 metros en Bayona y voy a exponer dos cuadros en Spacejunk Art Centers con motivo de la exposición colectiva «Didam». Con Vertical Gallery, voy a participar en la exposición colectiva «Atomic 13» en Chicago en noviembre y luego en Scope Miami del 29 de noviembre al 4 de diciembre. También he empezado a colaborar con Graffiti Prints en ediciones limitadas que hacen que el arte sea más accesible. Para febrero de 2023, estoy preparando una exposición individual en la galería Exclusive Urban Art de Roma y luego seguiré con el aniversario de Vertical en Chicago con cuatro obras y proyectos de escultura…

No te lo pierdas:
GCA Gallery,
2 place Farhat Hached, 75013 París
www.gcagallery.fr

Spacejunk Art Centers,
35 rue Sainte-Catherine, 64100 Bayona

Vertical Gallery
1016 N. Western Ave.
Chicago, IL 60622, Estados Unidos
verticalgallery.com

Exclusive Urban Art
Via della Reginella, 1A, Roma, Italia
exclusiveurbanart.com

Graffiti Prints: graffitiprints.com